오랑주리 파블로 피카소

파블로 피카소의 <포옹>이다. 1903년.  피카소가 <포옹>이라는 제목의 뮤제 드 로랑게리에서 대형 파스텔을 제작한 것은 바르셀로나를 방문한 때였다. 피카소의 파스텔에서 흔히 볼 수 없는 크기를 가진 이 작품은 침실에서 푸른색과 분홍색의 색조로 그려진 누드 남녀를 포옹하는 모습을 그렸다. 비록 이 두 인물의 얼굴을 구별할 수는 없지만, 여자가 아이를 임신하고 있는 것은 분명하다. 그러나 이 아주 부드러운 장면은 1901년에 시작된 피카소의 청색시대 전체를 관통하는 깊은 우울함에서 자유롭지 못하다. 피카소는 "내가 원하는 것은 내 그림이 감정만 불러일으켜야 한다는 것"이라고 <포옹>을 언급했다고 한다. 그 포옹은 1900년부터 피카소의 작품에서, 특히 몽마르트르의 삶의 장면에서 되풀이되는 주제다. 그것은 월터 기욤 컬렉션의 주요 작품 중 하나이다. 1930년에 상인이자 수집가인 폴 기욤이 그것을 인수했는데, 이 작품은 이전에 유명한 미술상 암브로이즈 볼라드(1866-1939)의 작품이었다. 우리는 또한 같은 해에 제작된 이 작문의 초안, 현재 국립피카소(MP 849-851)에 실린 빠른 스케치, 그리고 그루터기 흑연연필(MP 474)에 그려진 두 개의 유사한 작문, 그리고 개인 소장품에서 종이에 새겨진 구아체에 대해서도 알고 있다. 포옹의 주제는 세기가 바뀔 무렵 유럽 전역의 예술가들에게 큰 영감을 주었다. 구스타프 클림트, 에드바르드 뭉크와 테오필 알렉산드르 슈타인렌의 작품에서 볼 수 있다.

파블로 피카소의 <분수의 여인들>이다.  1921년.

파블로 피카소의 <하얀 모자를 쓴 여인>이다. 1921년.  피카소는 다양한 모자를 쓴 여자들의 그림을 그렸다. 이 그림에서 그녀는,  팔꿈치를 의자의 등받이 위에 얹고 앉아 있다. 그녀의 다른 손은 섬세하게 그녀의 무릎에 놓여 있다. 그녀는 얼굴은 부드러우면서도 강력한, 누군가를  생각하는 이미지를 보여준다. 푸른 색, 붉은 색과 하얀 차양 회색과 갈색 다움에 의해, 전체 그림은 큰 파스텔의 연한 색깔의 겉모습을 완화하고 있다. 그 얼굴은 첫 아내 올가와 비슷하다. 

파블로 피카소의 <커다란 목욕탕>이다. 1921년.  1920년대 초에 발전하고 있던 추상화, 구성주의와 같은 전위적인 운동과 병행하여, 다다이스트 몽타주와 함께, 인간과 자연에 대한 보다 표현적인 대우와 함께 옛 화가들로부터 영감을 얻은 그림의 스타일이 확립되었다. 피카소는 현재 드랭과 같은 컬렉션에 있는 다른 예술가들과 마찬가지로 그림의 고전적 측면 때문에 "질서로의 복귀"라고 불리는 이 운동에 기여했다. 이 대규모 그림에서 피카소는 기념비적인 자리에 앉은 여성 누드를 상징한다. 이 수치는 거대한 조각적 비율과 휘장을 가지고 있으며, 동시에 그것들을 과장하면서 고대의 카논을 회상한다. 여기에 많은 출처가 있는 것 같다. 그리스와 로마 고대 외에도 피카소는 과거의 화가, 특히 앵그르와 르누아르에게 눈을 돌렸다. 그들의 예에 따라, 그는 왜곡된 몸과 단단하고 무거운 얼굴을 포함하는 이상한 스타일의 고전주의를 실험했다. 사실 우리가 피카소의 작품에서 이 커다란 목욕탕이 등장하면서 보는 것은 초월적이고 이상화된 고전적 유물의 재구성이다. 폴 기욤은 1930년 이후 이 그림을 인수했다. 그것은 그림에 대한 그녀의 취향과 선호도와 완벽하게 일치했기 때문에 그의 미망인 도메니카에 의해 꼼꼼하게 보존되었다. 

파블로 피카소의 <드레이퍼리가 있는 큰 누드>다. 1923년.  이 커다란 누드는 가끔 쓰여지는 것과 달리, 뮤제 드 로랑게리 컬렉션에 나오는 [Large Bather]의 펜던트가 아니다. 그러나 둘 다 1920년대 초 피카소의 네오클래식 시대의 큰 나체에 속한다. 무겁고 힘있게 모델링된 이 시대의 조각상들의 단단한 특징은 콕토에 의해 "큰 소의 눈과 돌로 만든 시트를 들고 있는 거대한 네모난 손을 가진 주노스"라고 묘사되었다. 앉아 있는 여성상은 불균형하게 큰 손에 들고 있는 휘장 조각으로 오른쪽 어깨를 감싸고 있다. 그녀는 고개를 앞으로 기울이며 눈을 감고 있다. 많은 피카소의 "질서로 돌아가기" 작품에서처럼 회색과 분홍색이 이 구성을 지배하고 있는 반면, 휘장 위에 흰색이 감도는 것은 상당히 놀라운 광채를 뿜어. 고대의 영향뿐만 아니라, 피카소가 영감을 얻기 위해 르네상스 그림을 바라봤다는 징후도 있다 - 그 포즈는 로마의 바베리니 궁전에서 라파엘의 포르나리나를 떠올리게 한다. 그러나 앵그르나 르누아르 같은 다른 예술가들도 결정적인 역할을 했다. 피카소는 르누아르에 의해 유화로 된 [바토르]를 비롯하여 붉은 분필로 [바토르 앳 her Doorete]를 두었는데, 이 시기의 피카소의 그림들과 유사한 점이 부인할 수 없다. .

 

파블로 피카소의 <대형 정물화>다. 1918년.   폴 기욤의 미망인인 도메니카가 소유한  유일한 입체파 작품이다.  이 그림은 피카소의 작품의 기간 늦은 입체파에 의해 특성화된 것이다.  비아르츠에서 1918년에 머무르던 시기에 그려진 것으로 보인다. 그 주제는 매우 고전적이다 - 병, 유리, 과일 그릇이 있는 테이블 위의 정물. 그러나 대상은 다른 관점을 종합하고, 전통적인 관점의 법칙을 깨고, 리얼리즘의 모든 개념을 무효로 만들어 표현된다. 여기서 테이블은 공간에서 거의 수직으로 떠 있는 것처럼 보이는 커다란 베이지색 평행 파이프로 표현되어 상단의 물체가 불안정하게 불균형하게 보인다.평면의 중첩과 재료(나무)의 질감을 전달하고자 하는 색상의 범위는 마치 몇 년 후 더 큰 규모로 옮겨진 것처럼 피카소의 몽타주와 합성 큐비즘에 대한 이전의 실험을 떠올린다. 

파블로 피카소의 <탬버린을 들고 있는 여인>이다.  1925년.  1920년대 중반에 신 고전주의 시대에 이어 피카소는 잠시 동안 그의 실험으로 돌아와 장식적인 입체파의 형태로 돌아왔다. 이 그림은 팔꿈치에 기대고 탬버린을 들고 있는 쭈그리고 앉아 있는 여성을 나타낸다. 빛나는 색은 이 구성의 중심이다. 쿠션 위에 나른한 여인은 앙리 마티스가 이 시기에 생산하던 오달리스크를 연상시킨다. 그러나 오달리스크의 주제와 그의 색채 사용 외에도 피카소가 탬버린을 가진 여성을 특이하게 대하는 것은 마티스의 스타일과는 상당히 다르다. 여기서는 오른쪽 전경의 아래에서 볼 수 있듯이 모양과 색상이 분리되는 경우가 많으며, 바닥에는 세 개의 과일이 놓여 있다. 게다가, 피카소는 캔버스의 표면이 잘 보이게 함으로써 더 어두운 지역에서 이미지를 식각하기 위해 갓 칠한 페인트를 쉽게 긁어낼 것이다.  그는 거의 거슬리는 색깔들 - 마우브, 노란색, 가넷 레드, 청록색 -을 대담하게 병치한다. 마지막으로, 같은 공간에서 다른 관점과 평면의 중첩은 피카소의 큐비즘에 대한 초기 연구와 일치한다. 폴 기은 1927년에 이 그림을 구입했다. 

파블로 피카소의 <구성: 평화>다. 1906년.  부콜리 세트에서 어머니와 딸이다. 그의 어머니는 보호와 긴장의 관리에서 딸의 목에 있었고, 그들은 빠르게 꽃의 피워냈다. 이 스케치들은 선의 위대한 자유와 가상성을 보여준다. 일부 요소는 가를랜드의 꽃과 어머니의 셔츠와 마찬가지로 신속하게 드로잉 라인으로 암시된다. 이 색깔은 1906년 피카소가 사망한 스페인의 고솔 마을 주변의 지구의 음색에서 특히 악의 구멍에 관한 것이다. 푸른 그림자가 드리워진 흰색으로 표현된 얼굴에 대해서는, 피카소가 이 색깔을 선호했을 때 그의 "푸른 시대"로 알려진 초기 시기를 떠올린다. 1906년 피카소는 점점 더 확실한 스타일리시를 향해 미묘하게 움직였기 때문에 그림 볼륨에 대한 강렬한 실험의 시기였다.