오랑주리의 샤임 수틴

샤임 수틴의 <나이 어린 페이스트리 요리사>이다. 1922-1923년. 이 페이스트리 요리사의 초상화는 수틴의 경력에 결정적인 순간이었다. 당시 모딜리아니의 작품을 찾던 폴 기욤은 화가에 관한 기사를 쓴 작가 겸 미술 평론가 미셸 조르주 미첼을 통해 수틴을 발견했다.  그가 이 캔버스로부터 얻어낸 자발적인 쾌락은 즉시 수틴의 운명을 바꾸어 하룻밤 사이에 후원자들이 찾고 있는 인정받는 화가로 변모시키고 예술가 - 몽파르나스의 영웅으로 진지하게 받아들여졌다. 수틴은 오늘날 우리가 알고 있는 이 같은 주제를 6가지 버전으로 제작했다. 폴 기욤은 그가 그토록 좋아했던 최초의 페이스트리 요리사를 기념하기 위해 1930년대 초에 이 그림을 샀다. 매우 완성된 이 버전은 얼굴이 길쭉하고 목이 연약한 모델을 선보이고 있는데, 그의 페이스트리 셰프 모자와 재킷을 입고 있다. 그의 얼굴 생김새와 팔다리가 일그러져 있어 그림에 강한 표현력을 부여한다. 납작하고 선명한 붉은색으로 표현된 그가 들고 있는 천은 회색과 녹색의 촉감으로 흰색으로 표현된 그의 옷의 표면과 대비된다. 모델의 포즈는 루브르 박물관에 있는 그림들 중 하나인 장 푸켓의 초상화 [찰스 7세의 초상화]에서 영감을 받았을 수도 있다.

샤임 수틴의 <소년 복사>다. 1927-1928년. 수틴은 제단 소년 시리즈를 그렸는데, 때로는 서 있기도 하고, 때로는 전신으로 앉아 있기도 했다. 이 시리즈는 황소의 연발과 동시에 제작되었고 우리는 여전히 붉은 색에 대한 예술가의 매혹적인 표현을 볼 수 있다.  쿠르베트의 [Burial at Ornans], 붉은색 예복과 하얀색 예복을 입은 제단 소년들의 행렬이 이러한 인물들에 대한 수틴의 관심을 불러일으켰을지도 모른다. 이 제단 소년들의 복장은 그가 가장 좋아하는 두 가지 색상 크림과 화이트를 표현했다. 여기서 모델은 3/4분기에 비교적 균일한 파란색-검정색 바탕에 의상의 색상의 프레임 역할을 하는 반쪽 길이로 제시된다. 넓고 굵은 붓놀림이 쿠르베의 솜씨를 연상시킨다. 반면 노랑, 초록, 파랑, 빨강 등 순수한 색상의 신경질적인 붓놀림으로 강화된 하얀색 덧칠이 전형적인 남방이다.

샤임 수틴의 <주택>이다. 1920년. 세레트에 집들이 그려졌는데, 이 화가는 1919년부터 1922년까지 사실상 강제적으로 살 수밖에 없었다. 실제로 사우스이네의 미술품 딜러인 레오폴드 즈보로우스키는 사우스이네가 되돌려 보낼 캔버스에 대한 대가로 음식과 하숙비를 충당하면서 그를 이 마을로 보냈었다. 이 그림은 라빈 데 틴스에서 본 루 드 라 레푸블리크에 있는 집들의 그림이다. 수틴은 그림 속의 모든 공간을 차지하고 하늘을 가리는 집들을 지나치게 길게 그렸다. 집들의 정면 색깔과 비슷한 분필 같은 회색 톤의 하늘은 거의 없다. 이 버전에서  계곡은 그림의 맨 아래 부분에만 약간만 그려져 있다. 그 집들은 환각 속에서 뒤틀리고 벗겨져 화가의 내면의 혼란을 반영한다. 갈색, 녹색, 등의 다양한 색상으로 그려졌으며, 세레트에서는 이 시기의 대부분의 그림보다 훨씬 더 어두운 색조로 그려진 이 풍경은 에곤 쉴레의 풍경을 연상케 한다.

샤임 수틴의 <마을>이다. 1923년. 그 마을은 남부 지방의 풍경들 중에서 가장 급진적이고 특이한 곳이다. 그가 여기서 선택한 주제는 고풍스러운 성격, 즉 하늘을 배경으로 한 풍경, 집, 나무 등 고전적인 것으로 보이지만 그의 치료법은 고통스러운 성격과 위대한 현대성을 긍정하는 두 가지를 모두 드러낸다. 사실 이 그림의 모든 요소가 극적으로 왜곡되어 있고, 서로 얽혀 나타나서 원근감이나 균형감각을 전혀 없다. 정신적 풍경은 자연의 엄격한 관찰을 일식시켜 감정표현을 위한 길을 만든다. 그러나 이 그림은 실제 장소를 본떠 그린 것이다. 무제 드 로랑게리의 풍경은 카그네스에서 8킬로미터 떨어진 마을인 라 바세 가우데에서 1923년부터 1924년까지 제작된 9점의 그림에 속한다. 수틴은 다른 높이의 바위 언덕에 매달리는 집과 방앗간으로 이곳을 선택했다. 그가 그토록 사랑했던 이 풍경에 대해 상반된 감정을 느끼고 있던 시기에 이 그림을 그렸다. 사실, 그는 1923년 말에 파리 미술관 주인 Zborowski에게 다음과 같이 썼다: "나는 카그네스를 떠나고 싶다, 나는 더 이상 이 풍경을 견딜 수 없다." 그의 환경에 대한 고뇌와 주관적인 관점을 재해석한 이 작품은 19세기 후반에 유럽에 뿌리를 두고 있던 표현주의 회화의 전통에 수틴을 배치한다.

샤임 수틴의 <커다란 푸른 나무>다. 1922년. 어두운 하늘이 위협적인 날씨를 만들어낸다. 우리는 폭풍의 시작을 보고 싶어한다. 이 기간 동안의 하늘은 어두운 푸른색이 오래 지속되었으며, 폭풍우에 의해 나무들이 뒤틀렸다. 나무를 틀에 박은 두 집의 경우는 이렇다. 도로도 오른쪽으로 기울어져 있다. 왼쪽 전경에는 모자를 쓴 앉은 여자와 머리가 풍경 속으로 사라지는 똑바로 서 있는 남자 두 명이 보인다. 왼쪽으로 기울어진 남자는 오른쪽에 있는 집의 경사를 균형 있게 한다.

샤임 수틴의 <구부러진 나무>다. 1923-1924년. 수틴의 그림에서 나무의 주제는 흔하다. 이 그림에서 나무는 전경에 있으며, 그 뒤에서 볼 수 있는 집 그룹을 부분적으로 숨기고 있다. 그것은 거의 완전히 푸른 하늘을 가린다. 바람의 힘에 의해 날아간 것으로 보이는 쓰러진 나무는 위로 대각선 운동을 일으키고, 나뭇잎의 움직임은 그림에서 나오는 생동감의 인상을 완성한다. 이 풍경은 프랑스 남부의 카그네스에서 그려졌으며, 전경에 있는 큰 나무에 숨겨져 있는 산비탈의 다양한 층의 집들을 묘사하는 시리즈의 일부였다. 우리는 그의 경력의 후반기에 나무의 주제를 접하게 된다. 1929년에 그는 벤치에 둘러싸인 거대한 재나무인 [The Tree of Vence]의 여러 버전을 만들었다. 하지만 그 나무의 주제는 첨탑을 들고 있었다.  나무의 주제는 샤르트르와 샹피니에서 그린 풍경에서 볼 수 있듯이 그의 생애가 끝날 때까지 그에게 특별한 중요성을 지니고 있었다.

샤임 수틴의 <풍경>이다. 1922년 건물들이 캔버스 전체를 차지하고 있는 하우스를 따라가는 풍경은 원근법과 공간을 개방함으로써 수틴의 작품에 전환점을 표시한다. 이 주제는 하우스에서와 마찬가지로 건물의 고통스럽고 왜곡된 표현으로 특징지어지는데, 이는 지붕과 창문으로만 식별할 수 있다. 그러나 이것들은 이제 나무로 가득 찬 풍경에 둘러싸여 푸른 하늘이 지배하고 있다. 풍경은 회화에 차분한 요소를 가져오기는커녕 강력한 표현운동을 통해 집들의 왜곡에 기여하는 것으로 보인다. 우리는 또한 수틴의 어린 시절에 다양한 전통 의식에서 나무가 기념된 숲 지역에서 보낸 모티브인 보호자로서 나무의 모습을 본다. 이 그림에서 팔레트는 미디의 빛에 영향을 받아 훨씬 가벼워졌고, 가벼운 석조물과 타일 지붕을 가진 집들은 화가가 머물고 있던 카그네스 마을의 건축에서 영감을 받았다.

샤임 수틴의 <글라디올라>다.   1919년. 수틴은 1917년 이전에 라 루체와 파리의 시테 팔구이에르에 도착하자마자 꽃병을 그리기 시작했다. 처음에는 이것들이 더 복잡한 정물화의 일부 였지만, 다른 물체와 장식 요소는 점차 사라졌고, 꽃은 그림의 유일한 주제로 남았다. 꽃병은 그림의 오른쪽 하단으로 옮겨졌고, 줄기는 퍼져서 공간의 4분의 3을 차지했다. 어둡고 불확실한 갈색 배경은 꽃의 붉은 색과 현저한 대조를 이룬다. 넓고 활기찬 붓놀림은 형태만을 스케치하여 그림의 강렬한 역동성에 기여한다. 글래디올리는 특정 주제에 관한 참 수틴의 첫 번째 시리즈의 주제였고 15점을 그렸다.  꽃들이 위로 튀어오르는 것처럼 보이는 방식을 떠올리기 위해 훨씬 더 생생한 색을 사용하여 기술을 바꾸었다.

샤임 수틴의 <마을소고기와 송아지 머리 옆면 >이다. 1925년.  화가는 여러 차례 묘사한 쇠고기 사체의 주제에 매료된 것 같았다. 그는 1925년에 소고기 그림 10점을 제작했다.당시 수틴은 몽파르나세에서 멀지 않은 생고타드 루에 거대한 스튜디오를 가지고 있었는데, 그곳에서 그는 동물 사체 조각들을 배달받았고, 그곳에서 즉시 그림을 그리기 시작했다. 이 모티프의 매력은 충격적인 어린 시절의 기억의 결과일 수 있다. 그는 "내가 소고기 사체를 그렸을 때, 그것은 여전히 내가 해방시키고 싶었던 이 외침이었다. 아직 성공하지 못했다"고 말했다. 이 그림에서 소고기 시체는 캔버스의 대부분을 차지하고, 그 옆에는 송아지의 머리가 정육점의 갈고리에 매달려 있다. 피묻은 살을 묘사한 붉은색과 노란색의 그늘에 있는 넓은 붓놀림이 평범한 어두운 배경에 눈에 띈다. 어린 시절의 기억뿐만 아니라, 우리는 또한 그가 루브르 박물관에서 존경했던 네덜란드 화가 렘브란트(1606-1669년)에 대한 수틴의 오마주일 수 있다.

샤임 수틴의 <젊은 여자의 초상>이다.  수틴은 1920년대에 여러 개의 여성 초상화를 제작했으며, 이것은 좋은 예다.  수틴은 왼쪽에 있는 공간을 열어 젊은 여자가 바라보고 있는 곳으로 떠난다. 그녀는  다른 곳을 바라보며 수심에 차 있다. 코가 꼬이고 입술이 삐뚤어졌음에도 불구하고, 어린 영국 소녀의 얼굴은 대부분의 화가 모델들보다 더 조화로워 보인다.
이 초상화에서 수틴은 빨간색과 흰색에 대한 매력을 표현한다. 하얀 블라우스가 천 가지 색조로 반짝인다. 빨간 재킷은 그녀의 상체에 우아하게 들어맞고 젊은 여자의 빨간 머리와 립스틱과 일치한다. 황토 배경은 따뜻하며, 예술가의 초상화의 대다수보다 공간을 덜 억압적으로 만든다. 사실, 수틴은 이 모델을 같은 의상으로 두 번째로 그렸다.

샤임 수틴의 <크고 푸른 나무>다. 1920-1921년.

샤임 수틴의 <룸서비스 웨이터>다. 1927년.