베로네제, 뒤러, 엔리케, 코로,카날레토,모로, 티치아노,휘슬러 등

파올로 베로네제의 <사랑으로 결합된 비너스와 아도니스.>다. 1570년.  이 시각적으로 화려하고 관능적인 그림에서 큐피드는 화성(전쟁의 신)을 사랑의 매듭으로 금성에 묶는다. 비너스의 젖가슴에서 우유가 흘러나오고 마르스의 군마가 제지당하기 때문에 사랑의 문명화와 양육 효과를 축하한다. 막시밀리안 2세 황제가 위임한 것으로 보이는 이 그림은 1621년까지 프라하의 루돌프 2세 황제가 소유하고 있었으며, 예술가의 다른 신화적 작품도 있었다. 빛과 색의 걸작인 이와 같은 작품들은 벨라스케스와 지암바티스타 티에폴로를 포함한 후기 예술가들에게 지속적인 영향을 끼쳤다.

일베르트 뒤러의 <성 안나와 함께 있는 성모자>다. 1519년.  뒤러는 1505-7년 이탈리아로 여행을 떠났고, 특히 베니스로 가서 조반니 벨리니를 만났다. 벨리니와 뒤러의 두 그림의 병치 현상은 풍부한 색상과 세밀한주의뿐만 아니라 특히 단순한 형태의 공통된 관심사를 보여준다. 뒤러의 잊혀지지 않는 헌신적인 그림은 독일에서 특히 존경받았던 성 안나를 성모와 아이와 함께 묘사하고 있다. 안나의 손이 딸의 어깨에 닿는 것은 위로의 의미를 띠고, 먼 시선은 그리스도의 열정을 예감하고 있음을 암시한다. 이 패널의 날짜와 모노그램이 나중에 추가 되었지만 그 해에 그림이 그려 졌을 가능성이 크다.

니콜라스 엔리케의 <4대 과달루페 성모>다.  니콜라스 엔리케스가 1773년 과달루페의 비리긴 사본을 그렸을 때, 그것은 뉴 스페인에서 가장 널리 존경받는 신성한 이미지였다. 여기서 기적적인 이미지는 신의 기원을 증명하는 네 장면으로 둘러싸여 있다. 그들은 멕시코 시티 근처의 테피야크에서 버진이 인디언 후안 디에고에 세 번 출연했던 것을 기록하고, 그의 망토에 각인된 그녀의 이미지가 폭로되는 것으로 절정에 달한다. 비문은 이 사본이 그려진지 16년 후인 1789년과 주인이 스페인으로 돌아온 지 4년 후인 1789년에 원본과 접촉하여 신성시되었다는 것을 보여준다. 

까밀 코로의 <다이애나와 액태온(Diana Surprised in Her Bath)>이다. 1836년.   당당한 크기에서 세련된 실행에 이르기까지이 그림은 코로의 독창성에 대한 우아한 증언이다. 풍경은 놀라울 정도로 자연스러워 보이지만 열심히 구성되었다.오비드의 변신에서 나온 이 이야기는 젊은 사냥꾼 액태온이 다이애나 여신과 삼림욕을 즐기는 님프들의 벌거벗은 모습을 만나면서 운명을 다시 말해준다. 다이애나는 당황한 분노로 자신도 모르는 사냥꾼에게 물을 튀겨 사슴으로 변신시킨다. 그림의 일반적인 톤 대비 사이에는 뚜렷한 차이가 있으며, 왼쪽의 배경은 코로의 후기 스타일의 전형적인 톤으로 스케치하고 은빛이다.

카날레토의 <산 마르코 광장>이다. 1720년. 잘 보존된 캔버스는 플라자 산 마르코를 보여준다. 카날레토는 종탑의 창문 수를 줄이고 깃대의 높이를 확장했지만 그렇지 않으면 도시 경관에 자유가 거의 없었다. 사실 이 그림은 1725년에서 1727년 사이에 포장도로를 깔 때 다양한 단계를 꼼꼼하게 문서화했기 때문에 이 광장의 다른 견해들 사이에 위치할 수 있다.

귀스타프 모로의 <오이디푸스와 스핑크스.다. 1864년.  전설적인 그리스 왕자 오이디푸스는 악의적인 스핑크스와 마주치는데, 스핑크스는 여행자들을 수수께끼로 괴롭힌다: 어떤 생물이 아침에 네 다리로, 정오에 두 다리, 저녁에 세 다리로 걷는가?,전경을 잘못 어지럽힌 피해자들의 잔해.,(해결책은 아기처럼 기어가 성숙기에 똑바로 서고 노년에 지팡이를 사용하는 인간이다.),모로는 1864년 파리 살롱에서 이 그림으로 명성을 얻었다. 일상 생활의 묘사가 두드러지고 있음에도 불구하고 그는 성경, 신화 및 그의 상상력의 이야기를 묘사했다. 그의 다른 세계적인 이미지는 오딜론 레돈과 오스카 와일드를 포함한 많은 젊은 예술가들과 작가들에게 영감을 주었다.

티치아노의 <비노스와 아도니스>다. 1550년. 오비드의 변신 이야기들은 티티안에게 그가 시라고 부르는 것을 그림으로 그리도록 영감을 주었다. 여기서 비너스는 애인이 사냥을 위해 떠나는 것을 막으려고 한다. 그가 살해될 것을 두려워한다. 뒤에서 보이는 아름다운 비너스의 묘사로 전달되는 관능의 분위기는 이 이야기의 비극적인 종말에 대한 시청자의 감각을 강화시켜 주고받는 시선과 겁먹은 큐피드를 통해 표현한다. 티티안의 워크숍은 이 작곡의 여러 버전을 만들었지만, 이것은 예외적인 품질로 티티안 자신이 그렸다.

휘슬러의 <회색의 여인>이다. 1883년.  휘슬러는 1880년경에 수채화에서 진지하게 일하기 시작했는데, 처음에는 풍경화, 그 다음에는 캐주얼한 여성 인물 연구를 위해 점점 더 많이 일했다. 이 수채화는 1880년대 초에 이루어진 작은 숫자 중 하나로 스페인의 거장 벨라스케스의 작품을 본떠 만든 예술가의 장편 유화 초상화에 필적할 만한 것으로 매우 뚜렷하게 표현되는 것은 이례적이다. 휘슬러는 모델들과 함께 전형적으로 벨라스케스의 신하들의 기이한 존재를 어둡게 차려입고 종종 열성적인 배경에서 나타나거나 여기에 묘사된 여자의 그것과 같은 황갈색의 그림적인 인상에 맞서 실루엣을 그리게 했다. 모델의 정확한 신원은 알려지지 않았지만 그녀의 얼굴 특징과 태도는 휘슬러의 빈번한 모델 중 하나인 밀리 핀치 또는 휘슬러가 여러 번 그린 여배우 케이트 먼로를 암시한다.

휘슬러의 <바이올렛과 그레이의 변주곡 - 마켓 플레이스, 디에프 >다. 1885년.  1885년 휘슬러가 노르망디 해변 휴양지 디에페를 방문하는 동안, 그는 높은 유리한 지점에서 바쁜 시장 광장을 포착하고 그의 시트를 수직 형식으로 사용하여 장면의 생동감을 강조했다. 그 결과는 놀랍게도 작은 크기에도 불구하고 에너지, 다양성, 흥미로 가득 찬 그의 가장 즐겁고 복잡한 수채화 중 하나였다. 이 시트는 휘슬러가 수채화 작품의 정점인 1880년대 중반까지 숙달한 기술의 카탈로그를 제공한다. 정확한 붓놀림은 전경에 모인 그림 같은 형상을 만들고, 추상적인 닥은 먼 군중을 암시하며, 섬세한 세탁은 광장 주변의 오래된 건물을 나타낸다. "바이올렛과 그레이의 변주곡"이라는 제목은 휘슬러가 그의 작품을 만들고 명명하는 데 자주 추구했던 음악적 연관성과 외모 세계에서 증류된 조화로운 배열에 대한 선호를 모두 불러 일으킨다.

 

휘슬러의 <프레쉬 컬러와 블랙의 배열 : 테오도르 뒤레의 초상화 >다. 1883년.

휘슬러의 <크레모른 가든스, 2번 >이다. 1870년.  진보적인 국외 추방자 제임스 맥닐 휘슬러는 내용보다 예술적 형태를 특권으로 삼은 "예술을 위한 예술"철학과 관련이 있다. 그러나 그의 피실험자들은 종종 그의 이타적인 색 하모니만큼 급진적인 것으로 보였다.런던의 크레모른 정원(첼시 홈스튜디오 근처)에 그려진 이 소위 야행성에서 휘슬러는 많은 유럽 동료들, 특히 프랑스 인상파 화가들이 포용하는 현대 생활의 주제를 탐구한다. 낮 시간대에 유행하는 유모차를 그린 우아하고 매니큐어된 공원인 야간 정원은 다양한 수업이 자주 찾는 활기찬 음악, 춤, 불꽃 놀이의 장소가 되었습니다. 

휘슬러의  <노란 방>이다. 1883년.  옐로우 룸은 휘슬러의 가장 뛰어난 수채화 중 하나로, 보라색과 노란색의 조화로운 "배열"이며, 중요한 직업의 시기에 진보적인 매체와 함께 작업한 가장 실험적인 시기에서 유래되었다.,이 사진은 예술가의 주요 모델이자 정부인 모드 프랭클린(그의 작품 60여 편을 위해 포즈를 취한)을 묘사한 것으로 휘슬러의 개인적이고 전문적인 외국인 생활을 보기 드물고 친밀하게 엿볼 수 있다. 이 인테리어 장면은 첼시의 13번 타이트 가에 있는 이 커플의 런던 홈스튜디오의 거실을 기록하고 있으며, 이 화가의 미래의 전기 작가 조셉 페넬이 "황색의 책"이라고 묘사한 것으로 혁신적으로 장식되어 있으며, 휘슬러의 일본 오브제 다트 및 미학 운동 디자인의 트렌드 세팅 컬렉션으로 가득 차 있다.