귀도 레니, 라투르, 프란즈 할스, 크루베

귀도 레니의 <수산나와 노인들>이다. 1620-1625년. 구약성서에 외설적인 추가는 두 명의 음탕한 장로들이 아름다운 젊은 여성인 수산나를 그들의 욕망에 굴복하지 않았다면 사형에 처할 수 있는 범죄인 간통죄로 고발하겠다고 위협한 경위를 묘사하고 있다. 여기 있는 귀도 레니는 이 에피소드를 보여준다: 한 남자가 수산나의 예복을 잡고 그녀의 침묵을 명령하면서 입술에 손가락을 대고, 다른 한 남자는 손을 들어 그녀를 만질 준비를 한다. 그녀는 가슴을 가리려고 애쓰며 커튼을 움켜잡는다. 이 그림은 1640년 로마 팔라조 란첼로티에 걸려 있었고, 롯과 그의 딸들이 소돔을 떠나는 것과 함께 현재 국립 미술관 소장품에도 걸려 있었다. 그림의 크기가 비슷하다는 점을 감안할 때, 한동안은 동반자 작품으로 만들어졌다고 믿었다. 그러나 1984년 청소는 작품의 다른 날짜를 암시하는 붓놀림을 밝혀냈다. 수산나와 장로들은 롯과 그의 딸들보다 늦게 그려졌고 두 사람은 원래 한 쌍으로 의도된 것이 아닐 것이다.

귀도 레니의 <소돔을 떠나는 롯과 그의 두 딸들>이다. 1615년-1616년. 롯과 그의 딸들은 소돔의 파괴를 신이 예고한 죄 많은 도시 소돔에서 도망치는 모습이 보여진다(창세기 19). 가족들은 잠시 대화를 나누고 있는데, 아마도 다음 행동을 고려하고 있을 것이다. 눈에 띄게 결석하는 것은 일반적으로 에로티시즘의 배경이나 요소에서 불타는 소돔과 같은 주제와 관련된 세부사항으로, 딸들이 나중에 아버지를 유혹하는 것을 암시한다(가족의 혈통을 계속하려는 시도). 대신, 그 세 명은 완전히 옷을 입고, 술이취하지 않았고 정숙하다. 이 그림은 레니가 로마에서 볼로냐로 돌아온 후 만들어진 것으로, 그곳에서 10년 이상 살면서 일해 왔다. 동상 같은 인물들과 페인트의 견고한 처리는 그가 그곳에서 개발한 스타일을 예시하고 있다.

귀도 레니의 <불멸의 개념>이다. 1627년. 17세기 이탈리아에서 가장 유명한 화가 레니는 특히 그의 작춤의 우아함과 그의 여성 머리의 아름다움과 우아함으로 유명하여 그에게 "디바인"이라는 별명을 얻었다. 이 제단은 1627년 스페인의 인판타를 위해 로마 주재 스페인 대사에 의해 의뢰되었다.,그것은 나중에 세비야 대성당에 걸려 스페인 화가, 특히 무릴로에게 깊은 영향을 미쳤다.

 

조지 드 라투르의 <참회하는 막달라마리아>다. 1640년.  촛불과 그림자의 극도의 대조, 그 형태의 순수한 기하학, 명상적인 분위기로, 이 그림은 라투르의 작품이 가장 성취되고 특징적인 것을 예시하고 있다. 프랑스 동부의 로레인 공작령 출신인 라투르는 카라바조 그림에 많은 영향을 받고 있었지만, 훨씬 더 단순화된 형태로 기울었다. 이 그림의 조용한 분위기는 참회와 사색의 삶을 위해 육체의 즐거움을 포기한 그리스도의 증인인 막달라 마리아의 주제와 완벽하게 들어맞는다. 그녀는 거울, 허영심의 상징, 두개골, 죽음의 상징, 그리고 아마도 그녀의 영적 깨달음을 상징하는 촛불로 보여진다. 

조지 드 라투르의 <포춘 텔러>다. 1630년.  다재다능한 눈과 바쁜 손은 그렇지 않으면 안정된 인물들 사이에 매혹적인 이야기를 만들어 내는데, 각각의 인물들은 꼼꼼하게 칠해진 색깔과 질감의 조합으로 풍부하게 옷을 입고 있다. 라투르는 북유럽에서 인쇄물로 대중화된 주제와 카라바조가 로마에서 대중화한 주제를 다루었다. 오래된 로마 (전통적으로 "집시"라는 조롱의 용어로 알려져 있음) 여성은 아름다운 동반자가 그를 강탈할 기회를 잡으면서 젊은 남자의 재산을 읽습니다. 20세기 중반에야 발견된 이 유명한 그림에는 프랑스 북동부에 살았던 마을의 이름이 새겨져 있어 카라바조 전례와는 무관하게 그런 작품을 개발했을 가능성을 뒷받침하고 있다.

프란즈 할스의 <슈로베타이드의 메리메이커 >다. 1616년.   현재 마르디 그라스로 더 잘 알려진 슈로베타이드는 사순절의 단식과 자기 수양 이전의 전통적인 면죄부 시기다. 17세기 네덜란드에서는 화가 길드의 연극 공연의 기회이기도했다.여기서 할스는 이 연극에서 나온 두 명의 주요 인물인 한스 워스트와 그의 모자에 달린 소시지와 소금에 절인 생선과 달걀의 화환을 뽐내는 페켈하링을 묘사하고 있다. 그들은 풍성하게 차려입은 소녀(아마도 이런 경우에 여성들이 공연을 할 수 없었기 때문에, 드래그를 입은 소년일 것이다)를 옆에 두고 있다. 정물적인 생명체들은 전경을 어지럽히며 축제의 전통적인 음식과 풍부한 에로틱한 빈정거림을 연상시킨다.

프란즈 할스의 <풍경속의 가족 초상화>다. 1647년. 우리는 최근 아기를 안고 있는 간호사와 함께 7명의 자녀들에게 둘러싸인 한 가족 그룹, 한 어머니와 아버지를 보고 있다. 두 막내아이를 중심으로 형성된 모댈들 사이에는 두 가지 관심의 중심이 있는데, 그것은 대가족에서 기대할 수 있는 것이다. 이러한 포즈와 상호작용은 자발적으로 보일 수도 있지만, 그 배열은 신중하게 구성되어 있다. 예를 들어, 성별의 명확한 계층이 있다. 남자들은 가족 그룹의 핵심, 아버지는 중앙, 그리고 그의 두 큰 아들들이 그를 측면으로 내세운다. 가족 이름은 모르지만 의상 스타일은 1640년대 후반에 그려 졌음을 암시한다. 캔버스는 아마 위아래로 잘려져 있을 것이다. 배경 풍경은 다른 예술가, 아마도 피에터 드 몰리엔이나 레이어 클라에즈에 의해 만들어진다.

장 밥티스트 그뢰즈의 <깨진 달걀>이다. 1756년.  이와 같은 장르적 주제를 도덕화하면서 그리즈는 예술가와 대중들에게 난해한 역사 주제가 제기하는 난국에 대한 해결책을 훌륭하게 공식화했다. 1757년 살롱에서 비평가는 깨진 달걀로 처녀성을 잃은 이 젊은 하녀의 포즈가 역사 화가의 가치가 있다고 선언하기도 했다. 그리즈는 17세기 네덜란드 그림(그 소녀의 포즈는 실제로 장로 프란스 반 미에리스에서 유래되었다)을 바탕으로 그러한 주제를 다루었지만, 비록 그가 역사 화가의 공식 직함을 추구하기 위해 앞으로 수십 년을 고집스럽게 보내겠지만, 여전히 로마에 있는 학생이다.

귀스타프 크루베의 <페롯을 가진 여인>이다. 1866년,  이 그림이 1866년 살롱에서 보여 졌을 때 비평가들은 쿠르베트의 "맛이 부족하다"는 것과 그의 모델의 "불굴의"포즈와 "디쉬 베리 머리"를 비난했다. 그러나 이 도발적인 그림은 쿠르베트의 학문적 기준을 무시하는 것을 공유하는 젊은 세대의 예술가들에게 호의를 얻었다. 마네는 같은 해에 그 주제(89.21.3)를 시작했다.

귀스타프 크루베의 < 오르낭스의 풍경>이다. 1850년.    아마도 1850년대 중반에 그려진 이 풍경은 예술가의 고향 마을의 시골 풍경을 오랫동안 바라본 것의 시작에 서 있다. 그것은 루 강둑을 따라 집들의 군집 위로 솟아오르는 독특한 교회 첨탑에 의해 확인될 수 있다. 멀리 있는 절벽은 로슈 뒤 몽이다. 이 다리는 전통적으로 오르낭스에서 하류로 몇 마일 떨어진 곳에 위치한 Scey-en-Varais 마을의 다리로 확인되었다.

크루베의 <고기잡이 배>다. 1865년.  쿠르베트는 1865년 9월부터 11월까지 제임스 맥닐 휘슬러와 함께 트루빌을 방문하는 동안 이 작품을 그렸다; 그의 아버지에게 보낸 편지에서, 그 예술가는 그가 "30개의 그림"을 아주 짧은 시간 안에 실행했다고 자랑했는데, 이것은 "모든 사람들을 놀라게 했다"고 자랑했다. 그가 선택한 주제에서 쿠르베는 외젠 이사베이, 요한 바르톨드 종킨드, 외젠 부딘의 뒤를 따랐지만, 당시 없어진 많은 캔버스와는 달리 장비로 채워진 이 어선은 하위 요소라기 보다는 구성의 초점이다. 1899년, 이것은 쿠르베트가 박물관의 소장품에 들어간 최초의 작품이 되었다.

크루베의 <마을의 젊은 여인들>이다. 1851년.  여성의 삶에 헌신하는 일련의 그림을 시작한 이 그림은 쿠르베트의 세 자매인 젤리, 줄리엣, 조에가 그의 고향인 오르난스 마을 근처의 작은 계곡인 코뮌에서 서성거리는 것을 보여준다. 그 소녀들 중 한 명은 어린 소떼에게 연금을 제공한다. 쿠르베트는 이 작품에 대한 높은 희망을 가지고 있었지만, 1852년 살롱에서 전시되었을 때 비평가들은 이 작품을 특징이 없고 서투르다고 공격했다. 그들은 모델의 일반적인 특징과 세례된 의상, "쓸데없는"작은 개와 소, 그리고 전통적인 관점과 규모를 포함한 전반적인 단결의 부족을 비난했다.

장 프랑수와 밀레의 <가을 , 건초더미들>이다. 이 그림은 1868년 산업가 프레데릭 하트만이 의뢰한 사계절을 묘사한 시리즈에서 나온 것이다. 밀레는 그 후 7년 동안 간헐적으로 그 그림들을 작업했다. 가을에는 수확이 끝나면서, 광채가 떠나고 양은 풀을 뜯기 위해 남겨진다. 건초더미 너머에는 채일리의 평원과 바비존의 옥상이 있다. 이 작품의 느슨하고 스케치 같은 마무리는 밀레의 늦은 스타일의 특징이다: 어두운 라일락 핑크 지면 색상의 패치가 의도적으로 노출되고, 특히 건초더미와 양의 윤곽에서 언더그림이 보인다.