오랑주리 마리 로랑생과 모딜리아니

마리 로랑생의 <샤넬의 초상>이다. 1923년. 로랑생은 다음세기 '멋'의 전형을 발굴하게 될 샤넬을 그렸다. 그녀는 고집이 세 보이고 포메라니안 종의 강아지를 무릎에 올려 놓은채 관능적이고 꿈꾸는 듯 멍하게 앉아 있다. 옷을 벗은 에로틱한 모습으로 그려져 있는데 팔에 걸쳣던 겉옷은 흘러내려 한쪽 가슴을 드러내고 있고 부드럽고 흐릿한 색채와 나른한 분위기의 로랑생의 특징이 잘나타나 있는 아름다운 그림이다. 그림의 오른쪽에는 또 다른 개가 하늘에서 코코 샤넬을 향해 내려오고 있는 것처럼 보이는 거북 비둘기를 향해 뛰어오고 있는데, 마치 성령의 비둘기처럼, 어쩌면 자유의 상징일 수도 있다. 녹색, 파란색, 분홍색 등 색깔의 부드러운 조화는 모델 목에 드리워진 스카프의 긴 검은 선에 의해 강조된다. 샤넬은 그 초상화를 고마워하지 않았고 마리 로랑생으로부터 그것을 사지 않았다. 정작 샤넬은 자신과 닮지 않았다며 거절했다고 한다. 이 아름다운 그림을.

마리 로랑생의 <작은 짐승>이다. 1923년. 이 캔버스는 1923년 마리 로랑생으로부터 의뢰받은 발레트 러스의 세르게이 디아길레프 감독이 오페레타 [The Does]의 배경 커튼 모델이다. 마리는 음악의 저자인 작곡가 프란시스 폴렌크로부터 추천을 받아 이 곡의 의상과 세트를 디자인하는 데 선택되었다. 레스 비체스는 시인 장 콕토의 리브레토를 원작으로 한 '노래로 한 곡의 발레'로, 댄서 니진스키의 여동생이 안무했다. 이 작품은 1924년 1월 6일 몬테카를로 오페라 하우스에서 다른 두 발레와 함께 만들어졌다. 그것은 큰 성공을 거두었고 파리에서 열렬히 기다리고 있었는데, 그곳에서 제8회 올림픽의 일환으로 샹제리제 극장에서 공연되었다. 별 모양의 구성은 가운데의 여성 시렌을 중심으로 진행되며, 다른 요소는 여성, 동물 및 끈이 없는 기타다. 마리 로랑생은 이 캔버스를 위한 준비 도면과 수채화를 만들었다. 그녀는 1923년 여름에 프랑스 남부에서 처음 그리고 파리에서 그림을 제작했다. 커튼 자체는 러시아 왕자가 그렸다. 마리는 레스 비체스에 대한 참여를 예술적 선언으로 취급했다. 그녀는 특히 거실에 잠시 걸려 있던 이 캔버스를 좋아했다.

 

마리 로랑생의 <폴 기욤부인>이다. 1924-1928년. 프랑스 남동부에서 태어난 줄리엣 라카제는 1910년대 후반 파리로 이주했다. 강한 성격으로 아름다워, 그녀는 몽파르나스의 카바레에서 일했고, 그곳에서 예술적 전위적인 장면을 연출했다. 그녀를 미친 듯이 사랑한 폴 기욤과 1920년에 결혼하여 도메니카라는 별명을 얻어 파리의 상류 사회에 진출했다.마리 로랑생은 폴 기욤과 관련된 예술가 중 한 명이었고 그 당시 초상화에서 그녀의 경력을 시작하고 있었다. 그러므로 도메니카가 명성과 부의 상징인 초상화를 그리기를 원했던 것은 놀라운 일이 아니다. 마리 로랑생은 그녀를 자리에 앉아 수심에 차서 한쪽으로 약간 기울어진 모습을 묘사했다. 그녀의 태도, 드레스, 분홍색 스카프가 그림 오른쪽 커튼을 메아리친다. 화가는 그녀가 가장 좋아하는 모티브를 캔버스에 포함시켰다: 비둘기, 발을 교차시킨 커다란 회색 개, 그리고 도메니카가 고른 꽃다발. 닮은 점은 보통 비슷하고 스타일링된 얼굴만 그린 화가에 의해 강조되어 왔다. 갈색 머리, 커다란 밝은 눈 위에 있는 눈썹의 표시 선, 얼굴의 모양은 모두 도메니카에 비슷하다.

 

마리 로랑생의 <개를 들고 있는 여인들>이다. 1924-1925년. 수평 구성은 두 명의 젊은 여성을 보여 주며, 그 중 한 명은 개 양쪽에 기타를 들고 있다. 마리 로랑생이 1920년대 초 그림을 즐겨 그린 여성 세계의 완벽한 반영이다. 그것은 또한 1923년 오페레타 [The Does] 세트에 대한 그녀의 작품의 직접적인 메아리이기도 하다. 이 동물은 스스로 삽입하여 두 명의 여성 인물을 연결하는 것 같다. 하나는 활이 달린 드레스를 입고 다른 하나는 스카프를 착용했다. 두 수심에 찬 젊은 여성은 서로 마주보고 있지 않고, 서로 모르는 것 같다. 약간 달의 대기는 흰색, 녹색, 파란색, 회색 및 검정색의 차가운 톤에 의해 만들어진다. 치마와 커튼의 장미 색조는 터치 또는 따뜻함을 더하지만 그림 왼쪽의 커다란 노란색 스트립과 함께 화가에게는 특이한 색이다. 캔버스의 섬세함은 거울과 유리 구슬로 만든 화려하고 정교한 프레임으로 확대된다. 우리는 마리 로랑생의 고객 중 한 명이 그녀의 집에서 이런 식으로 액자에 담긴 예술가의 작품을 가지고 있었다는 것을 알고 있지만, 이것은 이 종류의 프레임을 특징으로 하는 컬렉션의 유일한 캔버스다.

 

마리 로랑생의 <스페인의 무용수들>이다. 1921년. 마리 로랑생은 1914년에서 1919년 사이에 거의 5년 동안 파리에서 추방 당했고, 그 기간 동안 그녀는 주로 스페인에 머물렀다가 스위스와 독일로 이주했다. 그녀는 예술적 창의성의 타의 추종을 불허하는 중심지인 프랑스 수도와의 분리에 큰 영향을 받았다. 그녀가 돌아온 후, 그녀는 1920년대에 스페인 댄서들에게 반영된 새로운 스타일을 개발했다. 음소거된 색상과 입체파에서 물려받은 기하학적 패턴은 가벼운 톤과 물결 모양의 구성으로 대체된다.,그녀가 가장 좋아하는 주제가 된 여성 세계와 동물 세계 사이의 동맹은 여기서 눈부시게 빛나고 있다. 세 명의 젊은 여성들이 커다란 회색 말 앞에서 작은 경계견 주위를 빙빙 도는 것 같다. 마리 로랑생 자신은 그림에서 유일하게 따뜻한 어조인 분홍색 튜투를 입고 전경에 무릎을 꿇고 있는 모습이 그려진다. 그녀의 손은 오른쪽에 있는 젊은 여자의 손과 얽혀 있다. 이런 공모에서 제외된 왼쪽 젊은 여성은 댄스 스텝을 밟고 머리에 모자를 제자리에 들고 있다. 그녀의 눈은 말의 커다란 아몬드 모양의 눈으로 거의 매끄럽게 이어진다. 이곳의 동물들은 자유로운 동반자, 이상한 낙원에 있는 댄서들의 측근들이다.

다음은 모딜리아니의 작품들이다. <빨간머리 소녀>다. 1915년.  1915년 조각품을 포기한 모딜리아니는 어렵지는 않지만 그림으로 돌아왔다. 그는 자신의 길을 찾고 다양한 스타일과 기술을 실험하고 있었다. 붉은 머리의 소녀는 일련의 초상화 중 하나이며, 그는 매우 자유로운 입체파 해석을 채택한다. 이 모델은 수평선과 수직선으로 된 구조가 주어지는 기하학적 배경, 아마도 그림의 전시에 대해 묘사된다. 초상화는 큐비스트 팔레트와 비슷한 다양한 갈색 색조로 그려져 있다. 이 구성은 경직된 형태와 정면으로 묘사된 얼굴의 상형 묘사를 활기차게 하는 약간의 변화와 희미한 각도의 변화에 따라 연주된다. 오른쪽을 향한 머리의 약간의 기울기는 배경의 수평선 왼쪽과 왼쪽의 수직선으로 내려가는 경사에 의해 균형을 이룬다. 기하학적 배경은 구부러진 눈썹과 물결 모양의 머리카락으로 타원형 얼굴과 대조된다. 왼쪽에서 나오는 빛은 그림의 전체적인 선형성과 함께 어느 정도 깊이를 만들어낸다. 얼굴의 스타일화, 물결 모양의 선으로 붉은 머리카락의 표현, 볼륨의 단순화는 모두 조각과 일련의 [카리아 티드]에서 나온 것이다. 

모딜리아니의 <어린 제자>이다. 1918년.  모딜리아니는 세잔의 작품을 크게 존경했고 이 초상화는 후자가 그린 특정 음주자와 흡연자의 포즈를 재현한다.모딜리아니는 여기서 그 인물과 그 환경 사이의 관계에 초점을 맞추고 있다. 젊은이는 수심에 차서 한 손에 머리를 얹고 앉아 있다. 의자와 테이블은 그의 몸과 합쳐져 그 무거움을 덜어주는 것처럼 보인다.
모딜리아니는 화가일 뿐만 아니라 조각가이기도 했다. 다리에 놓여 있는 손의 형태와 같이 고도로 양식화된 형태는 그의 조각품을 연상시킨다. 캔버스의 팔레트는 매우 부드럽고, 회색과 갈색의 다양한 색조가 있으며, 흰색 셔츠의 칼라와 강렬한 푸른 눈동자에 의해서만 헝클어져 있다. 모델의 가늘고 젊고 매끄러운 얼굴은 거친 손과 대조된다. 이 그림에서 모티프에는 곡선의 윤곽이 그려져 있고 형태는 평평하게 되어 있으며 고갱의 예술의 영향도 드러낸다. 모딜리아니는 1918년과 1919년 프랑스 남부 미디 지역에서 몇 달을 보내 건강을 증진시켰다. 그 여행은 그의 미술상인 레오폴드 즈보로프스키가 지불했다. 이 기간 동안 그는 젊은 붉은 머리의 남성, 농부, 견습생 및 노동자의 일련의 초상화를 제작했지만 동일한 모델이 각 예술에서 묘사되었는지는 분명하지 않다. 

 

모딜리아니의 <벨벳 리본을 한 여인>이다.  1915년.  이 초상화는 얼굴 특징의 순수함과 스타일화를 돋보이게 한다. 동공이 없는 공허한 눈을 가진 이 인물은 모딜리아니가 자신의 [헤드] 조각품과 카리아티드의 그림과 스케치에서 수행한 실험을 그린 그림에서 각색한 것처럼 보인다. 아프리카와 해양 예술에 대한 예술가의 관심을 반영하는 가면 같은 얼굴이다. 전적으로 곡선으로 표현된 배경은 모딜리아니의 작품에서 매우 특이한 풍경이다. 우리는 모델의 오른쪽과 왼쪽에 있는 두 그루의 나무를 알아낼 수 있다. 배경의 어두운 색은 얼굴과 강한 대조를 이룬다. 화가는 부서지고 변조된 붓놀림을 사용하며 캔버스의 흰색을 볼 수 있다. 이러한 형태의 "분열주의"는 1914-1915년 기간의 모딜리아니의 실험에서 비롯된다. 그것은 1915년 파블로 피카소와 디에고 리베라의 초상화에서보다 급진적인 형태로 나타난다. 머리카락과 검은 리본만 짙은 검은 색의 단단한 표면으로 렌더링됩니다. 

모딜리아니의 <폴 기욤>이다. 1915년.  아메데오 모딜리아니는 1914년 시인 맥스 제이콥을 통해 폴 기욤을 만났다. 기욤은 미술상으로 막 시작했으며 몽마르트의 모딜리아니스튜디오를 임대했다. 1915년과 1916년에 모딜리아니는 그의 후원자의 초상화 4장을 제작했다. 이 초상화는 몽마르트르에 살았던 영국 시인 베아트리체 헤이스팅스의 집에서 그려졌다.
23세의 폴 기욤은 관람자를 직접 바라보며 자신만만한 우아한 청년으로 보여진다. 그의 몸매는 붉은 바탕에 반해 눈에 띈다. 짙은 색 정장과 모자는 얼굴과 하얀 셔츠와 대조를 이룬다. 얼굴의 평면 렌더링과 잘 정의된 특징이 눈을 끌어 당기고 왼손은 간신히 스케치된다. 이 초상화에서 모딜리아니는 이미 "새로운 조타수"로 여겨졌던 젊은 미술상에게 경의를 표한다. 선원이나 스타, 현대 미술의 후원자, 선견지명이 있는 후원자 중 한 명처럼 말이다. 

모딜리아니의 <안토니아>다. 1915년.