오랑주리 오귀스트 르노와르

르노와르의 그림들이다. <피아노 앞의 두 소녀>인데 르누아르는 인상주의에 깊게 물든 전반기의 화풍에서 벗어나, 점차

데생과 구도에 중요성을 부여하는 그림을 그리게 되었다. 제 3공화국 당시 파리의 부유한 가정의 평온한 모습을 보여주는 이 그림은 르누아르가 세잔느의 집에 머물 때, 시인 말라르메의 추천으로 정부로부터 주문을 받아 제작된 것이다. 두 소녀가 어떤 멜로디를 기억해 내려고 악보를 들여다보고 있다. 두 소녀의 양 볼마저 홍조를 띠고 있을 정도로 그림의 모든 것이 온화하고 따사로우며, 다양한 색조의 부드러운 곡선이 화면을 구성한다

화가가 대가의 작품을 따라 그리고 있는데 재미있게도 한 소녀가 그림의 사진을 찍는 것으로 그리고 있다.

나오다가 완성본을 양해를 받고 한장 찍어 보았다.

르노와르의 <젊은 남성과 여성의 초상>이다. 1975-1980년.  야외에서 그려진 이 작은 캔버스는 르누아르의 친구이자 챔피언 중 한 명인 조르주 리비에르와 알려지지 않았지만 여러차레 모델을 섰던 젊은 여성을 묘사하고 있다.  조르주 리비에르의 여러 개인 초상화를 그렸는데,  그는1870년대에 화가를 파리 살롱에 소개했다. 그의 딸 헬렌 리비에르는 화가의 조카인 에드먼드 르누아르와 결혼했다. 여기 머리와 어깨의 전망에 나타난 두 인물은 녹색 배경에서 눈에 띈다. 대조는 그들의 어두운 옷으로 강조되며, 앙상블을 가볍게 하기 위해 하얀 칼라와 얼굴만 두드러진다. 조르주 리비에르는 젊은 여자를 열심히 응시하고 있는데,  여자는 미소를 짓고 있다. 달콤한 공모의 느낌이 그림에서 나온다. 이 그림은 르누아르가 그 당시 하고 있던 연구를 보여준다. 길고 힘찬 스트로크로 살아나고, 자연 배경을 간단히 스케치한다. 그 두 인물은 초점이 맞지 않는 모습으로 묘사되어 있다.  빛에 대한 탐구만이 예술가에게 중요하다.

르노와르의 <두 어린소녀의 초상>이다. 1890-1892년.  르누아르는 같은 취미를 함께 즐기는 두 어린 소녀를 그리는 것을 매우 좋아했다.  그는 편지, 피아노, 잠, 꽃 따기 등 다양한 포즈로 어린 소녀들의 모티브를 여러 번 반복했고 종종 같은 모델을 사용했다. 여기서 그는 왼쪽에 금발의 소녀를 묘사하고 있는데, 그녀의 턱을 치켜들고  대화하는 모습이다. 이 갈색 머리의 소녀는 정면으로 보여지며, 모자를 쓰고 한쪽으로 고개를 기울였다. 이 그림은  [피아노의 어린 소녀들]을 그린 것과 비슷한시기에 제작되었는데그 모델들은 두 그림 모두에서 동일할 가능성이 가장 높다. 여기서 르누아르는 아몬드 모양의 눈, 작은 코, 그리고 아직 둥글지 않은 볼을 가진 얼굴, 그가 날카로운 초점으로 그리는 어떤 종류의 여성에 대한 애정을 보여준다. 이 모든 것은 장 도미니크 앵그르의 부드러운 초상화의 영향 받았음을 보여주고 있다

르노와르의 <여성 누드가 있는 풍경>이다. 1883년  1881년 이탈리아를 방문한 후 돌아온 르누아르는 옛 화가들, 특히 라팔의 그림들을 연구해 왔으며, 1883년 그의 경력에 전환점에 도달했다. "1883년경, 내 작품에서 일종의 변화가 일어났다. 나는 인상주의의 끝에 도달했고 그림을 그릴 수도 없다는 결론에 도달했다. 요컨대 난국에 도달한 것이다." 그는 암브로이즈 볼라드에게 선언했다. 물가에서 갈색 머리를 한 누드 여성이 하얀 천 위에 앉아 다리를 닦는다.  배경의 풍경은 여전히 인상주의적이지만, 여성 신체의 표현은 화가의 스타일의 변화를 드러낸다.   그림의 모델이 르누아르가 이 시기에 자주 그렸던 화가 수잔 발라돈과 비슷하다.

르노와르의 <긴 머리의 목욕하는 소녀>이다. 1893-1895년.  불확실하고 시대를 초월한 자연 경관을 배경으로 한 이 누드 목욕에서 여인은 가슴을 흰 천으로 가리며 물에서 나온다. 그녀의 느슨한 황금빛 머리카락은 배경에 있는 식물의 감지할 수 없는 움직임을 메아리쳐 전체 장면이 반짝이고 어른거리게 만든다. 그녀의 부드러운 둥금 또한 그녀의 몸의 곡선과 완벽하게 조화되는 것 같다. 이 선들은 화가의 경력의 성숙한 시기의 전형적인 관능성을 강조한다. 여기서 르누아르는 누드 모델을 시대를 초월한 지상의 낙원으로 바꾼다.

르노와르의 <부케>다. 1900년.  르누아르의 아내 알린 차리고는 남편처럼 꽃다발을 좋아해 여러 집에 나누었다.  르누아르는 "아내가 꽃다발을 주선했을 때, 내가 해야 할 일은 그것을 그리는 것뿐이다."라고 말한다.".이 녹색 꽃병은 이 그림에서 실제로 볼 수 있다. 꽃혀 있는 것은 별 모양으로 된 꽃다발이며, 양귀비와 다른 꽃들과 얽혀 있는 장미로 만들어졌다. 각 종은 다른 색깔과 모양을 가지고 있다. 색깔은 대담하고 따뜻하다. 꽃병의 녹색 톤은 푸른 배경과 대조된다. 빨간색과 노란색 꽃은 오른쪽의 매우 창백한 장미에 의해 누그러지지만 꽃병이 서 있는 가구 조각의 갈색을 드러낸다. 르누아르의 이 작품과 1860년대와 1870년대에 에두아르 마네가 그린 정물 사이에도 평행을 그릴 수 있다.

르노와르의 <딸기>다.  1905년.  르누아르는 1900년대 이후 프랑스 남부의 미디 지역에 살기로 결정했다. 그는 수많은 정물화에서 미디를 그렸으며, 종종 이 경우와 같이 긴 형식을 선택했다. 앉아서 일해 건강이 나빠졌음에도 불구하고 르누아르의 그림은 계속 기쁨으로 가득 차 있었다. 이  작은 형식의 캔버스는 매우 조심스럽게 칠해졌다. 딸기는 매우 정확하게 묘사된다. 다른 형태와 질감을 가진 물체와 과일은 주름으로 덮인 하얀 식탁보 위에 차례로 놓여 있다. 하지만 그 구성은 단조롭지 않다. 그것은 왼쪽 아래의 식탁보에 내려 놓은 버터 나이프와 설탕 항아리에서 튀어나온 티스푼의 손잡이와 딸기의 잎에 의해 살아난다. 설탕 항아리의 둥근 형태가 레몬과 과일 그릇에 반영된다. 꽃병이나 과일 그릇 같은 용기를 제외하고 르누아르는 폴 세잔과 달리 이 칼과 같은 물체를 정물화에 거의 도입하지 않았다. 색상 자체는 신선하고 밝다. 노란색, 파란색 및 빨간색은  시선을 사로잡고 즐겁게 한다.

르노와르의 <튤립 꽃다발>이다. 1905-1910년.  “꽃을 그리는 것은 내게 휴식의 한 형태다. 모델과 마주할 때와 같은 정신적 긴장의 대상이 아니다. 꽃을 칠할 때는 색을 바르고 가치를 대담하게 시험해 본다.” 르누아르는 조르주 리비에르에게 털어놓았다. 이 빛나는 꽃다발은 실제로 빨간색, 녹색, 노란색이 지배하는 톤으로 렌더링된다. 배경은 베이지색과 섞인 붉은색의 넓은 붓놀림으로 이루어져 있는데, 그 위에 튤립과 다른 다색의 꽃들이 돋보이는 녹색 꽃병이 있다. 이 캔버스는 아마도 프랑스 남부로의 마지막 이동 직후 그려졌을 것이다. 르누아르는  많은 꽃병을 그렸는데 이것은 그의 생이 끝날 때까지 그에게 즐거운 활동이었다.

르노와르의 <꽃병에 담긴 꽃들>이다. 1896-1898년.  르누아르는  모양과 색깔에 대한 연습으로 사용하여 배열을 바꾸면서 꽃다발을 그리는 것을 좋아했다. 여기서 그는 수많은 종을 섞는 것을 즐겼는데, 그 다양성은 그가 원하는 배열을 달성할 수 있게 해주었다. 르누아르는 또한 모양과 관점의 위치 결정에 큰 관심을 기울였다. 꽃병과 꽃다발이 프로필에서 보이는 것처럼 보이는 반면, 그들이 서 있는 원형 테이블은 위에서 보는 것처럼 보인다. 이것은 깊이의 효과를 근절하는 갈색의 평평한 면적으로 표시된다. 꽃들은 삼각형의 형태로 비대칭적으로 펼쳐진다. 노란 장미와 분홍색 장미는 다른 흰 꽃과 녹색과 섞여 있다. 따뜻하고 차가운 색은 서로 상호 작용하며 그들이 눈에 띄는 매우 창백한 배경에 의해 강조된다. 꽃의 줄기는 르누아르가 반사를 그린 투명한 꽃병에서 볼 수 있다. 이 두 가지 단순한 흰색은 전체 그림에 빛과 안도감을 준다.

르노와르의 <복숭아들>이다. 1881-1882년.  복숭아와 사과는 종종 르누아르의 정물화에 영감을 주었다. 그는 베라드 가족과 함께 지내는 동안 이 그림을 디에페 근처의 노르망디에서 그렸다.  그림은 하얀 테이블보로 덮인 테이블 위에 놓인 하얀 그릇에 있는 복숭아를 나타낸다. 이 델프트웨어 그릇은 전형적으로 베라드 가정에서 식사를 위해 사용되었다. 르누아르가 이 체류 기간 동안 그린 다른 정물화에서 나타난다. 그릇에서 떨어진 복숭아는 과일 피라미드의 대위법 역할을 한다. 과일 그릇은면에서 보는 것처럼 보이는 반면, 테이블은 위에서 보는 것처럼 보인다. 따라서 화가는 여러 가지 관점을 도입했지만 관람자의 시선은 중앙의 복숭아에 머문다. 겉보기에는 단순하지만, 르누아르는 그 구성에 큰 관심을 기울였다. 식탁보의 흰색과 과일 그릇은 복숭아의 분홍색 톤과 배경과 대조된다 : 벽지, 직물 또는 태피스트리와 녹색, 적갈색 및 파란색의 색조로 잎 무늬가 있다. 이 배경은 진정한 풍경을 형성하는 것 같다. 이 멋진 작품은 르누아르가 모양과 색깔을 연구하는 것 중 하나였다.

르노와르의 <사과와 배>다. 1890-1895년.  이 정물화는 르누아르의 작품 중 하나로, 주제와 매우 복잡한 구성으로 인해 폴 세잔의  영향을 보여준다. 실제로, 능숙하게 형성된 주름이 있는 식탁보의 배열은 큰 고려의 결과물이다. 식탁보에는 과일 그릇을 젓는 조수가 있는 것처럼 보인다. 그릇은 테이블 가장자리에 섬세하게 균형을 이루고 있는 것 같다. 르누아르는 정적 물체보다는 움직임으로 가득 찬 구성을 나타내고 싶었다. 그 색깔들 자체가 그 그림을 살아나게 한다. 하얀 식탁보와 그릇은 과일의 따뜻한 색에 반응하는 녹색과 갈색 배경에서 눈에 띈다. 그릇의 푸른 테두리는 주름의 그림자를 연상시킨다. 사과와 배는 그릇에 있는 다른  과일 위에 하나씩 놓이지만 비슷한 노란색으로 인해 쉽게 혼동 될 수 있다.
여기서 우리는 정물화로부터 완전한 이점을 끌어내는 르누아르의 능력을 분명히 볼 수 있다. 이 명백한 단순함 뒤에는 많은 연구가 숨겨져 있다. 르누아르는 다른 물체와 과일을 사용하여 여러 가지 변형으로 손을 써볼 수 있었다. 실제로 르누아르에 의해 알려진 세 개의 정물은 이것과 닮았다.

르노와르의 <다리를 닦으며 앉아 있는 누드>이다. 1914년.   이 그림의 주제는 1883년의 르누아르의 컬렉션에서 가장 초기의 그림 중 하나인 [풍경 속의 누드]와 닮았다. 그것은 사실 르누아르가 그의 경력 동안 여러 번 그려온 주제다. 그러나 여기서 그림은 1883년의 그림과 매우 다르다. 브러시 작업은 훨씬 두껍고 브러시 스트로크는 더 길며, 반짝이는 효과를 내는 상호 작용이 있다. 르누아르 후기의 다른 그림에서와 마찬가지로 임파스토는 어떤 곳에서는 두껍고, 다른 곳에서는 캔버스의 질감을 볼 수 있게 한다. 지배적인 색상은 여성의 벌거벗은 살, 머리카락, 그리고 그녀가 앉아 있는 커튼의 빨간색, 분홍색, 흰색이며, 배경은 녹색과 갈색이 지배한다.

위의 그림은 르노와르의 <모자를 쓴 여인>1915-1919년.  그녀는 얼굴이 둥글고 볼이 장밋빛이며 입이 꽉 차서 빨갛게 빛났다. 그녀의 피부는 르누아르의 광채가 매우 뛰어나며, 피부의 질감을 만들기 위해 분홍색과 흰색의 대체 붓놀림을 사용함으로써 달성된다. 노란 밀짚모자는 분홍색 리본과 트리밍으로 강화된다. 모델은 둥근 목선이 달린 파란색 블라우스를 입고 있다. 배경은 파란색에서 빨간색에 이르는 수많은 색상으로 구성되어 있으며, 녹색은 불확실한 자연 형태를 암시한다. 르누아르가 제작한 수많은 여성의 초상화 중에는 모자를 쓴 여성이 많이 있다. 이와 유사한 형식의 다른 초상화도 있다. 넓은 붓놀림, 캔버스 표면의 일부가 보일 수 있는 투명한 유약의 사용, 그리고 형태와 색상을 희석시키는 그의 기술은 화가의 후기 스타일의 전형이다. 르누아르는 그의 생애 마지막 몇 년 동안 이 그림을 제작했을 가능성이 있다

아래 그림은 <팔을 괸 여인>이다. 1917-1919년.  이 작은 형식의 처음에는 화가의 여러 모티브를 모으는 그림의 일부였다. 이 모티프는 르누아르가 죽은 후에 이 작은 구성을 만들기 위해 잘려나간 것 같다. 예를 들어, 원래 그림에서, 그녀의 손에 기대어있는 이 여자 위에, 같은 모델이 있지만 프로필, 반 길이, 그리고 그녀의 오른손을 시청자에게 내밀고 있는 다른 구성이 있었다.  그림에서 여자는 팔꿈치에 기대고, 머리에는 머리를 얹고, 오른팔은 머리와 관련하여 불균형하게 커 보인다. 그녀의 갈색 머리카락이 뒤로 쓸려가더니 둥근 얼굴과 충만한 붉은 입술을 가진 입을 드러낸다. 그녀는 목이 튼튼하고, 컷이 낮고 목선이 드러나는 옷을 입고 있다.

르노와르의 <장미와 함께 있는 금발 소녀>이다. 1915-1917년. 모델은 10대 중반에 불과했고 르누아르의 마지막 모델이었다.  "데데"라는 별명을 가진 그녀는 이후 여배우가 되어 캐서린 헤슬링이라는 이름을 얻었다. 그녀는 화가의 아들인 장과 결혼하여 그의 여러 영화에 출연했다. 붉은 색과 화려한 색조가 지배하는 초상화는 르누아르의 후기 스타일의 전형적인 형태 희석으로 특징지어진다. 그녀의 얼굴은 꼼꼼하게 표현되어 있고 매우 부드러워졌다. 이 젊은 여자는 머리에 꽃을 꽂고 있다. 사실 르누아르는 자신의 여성 인물들을 꽃과 연관시키는 것을 좋아했다. 1900년부터 꽃이 만발한 장미는 여성의 아름다움을 상징하는 데 그가 선호하는 속성이 되었다.

르노와르의 <광대 의상을 입은 클로드 르노와르>다. 1909년.  르누아르는 자녀들에게 거의 알지 못한 채 그림을 그렸던 초상화보다 더 야심차게 그려지려고 노력한 초상화를 위해 의상을 입으라고 하는 일은 거의 없었다. 따라서 이 초상화는 여러 개의 좌석을 필요로 했다. 당시 8세 전후의 어린 클로드는 이 빨간 광대 복장을 하고 그를 따끔거리고 간지럽히는 스타킹을 신어야 하는 것을 좋아하지 않았다. 클로드는 첫 번째 위협, 그리고 나서 협상을 필요로 했다는 것을 기억한다.마침내 클로드는 오일 페인트 상자와 기차 세트에 대한 대가로 짧은 시간 동안 스타킹을 착용하기로 동의했다. 그림의 크기, 대리석 기둥이 있는 배경, 그리고 아이의 전체 길이 초상화를 선택한 것은 르누아르가 특히 위대한 화가 벨라스케스에 대항하여 자신을 측정하기 위해 아들의 의식 초상화를 하고 싶어했다는 것을 보여준다. 어린 소년의 포즈는 비록 조금 더 정면이지만, 에두아르 마네의 [검을 든 소년]과 비슷하다.

르노와르의 <정원의 가브리엘>이다. 1902년.   가브리엘은 보모로 20년 동안 일했다.  미래의 영화 감독이 된 둘째 아들  장과 함께 그림을 그려지기도 했다.  그녀는 미국인 콘래드 슬레이드와 결혼하여 르누아르와 함께 일했다. 가브리엘은 르누아르의 모델 중 하나였으며 쾌활한 모델이었다. 그는 빛을 연구하기 위한 그림의 모델로 사용했는데, 이 연구의 진정한 주관에 빛, 투명한 문지르기, 태양에 의해 효과다.

르노와르의 <가브리엘과 장>이다.  1895년.  이 작품은 1895-1896년경에 그려진 광범위한 시리즈 중 하나로 르누아르가 둘째 아들 장과 가족의 충실한 보모 가브리엘을 그렸다. 그리하여 화가는 아들의 어린 시절을 담은 진정한 앨범을 만들었다. 르누아르는 언제나 어린 모델의 관심을 끌 수 있는 방법을 찾을 수 있는 가브리엘의 적극적인 협력에 의지할 수 있었다. 여기서 그녀는 아이를 무릎에 앉히고 농장 동물들과 함께 그를 바쁘게 하고 있다. 이 그림에서 이 조각상들은 눈에 띄지 않게 스쳐 들어가 테이블 표면에 섞인다. 가브리엘의 손에 쥐어진 소를 거의 알아볼 수 없다. 배경도 불분명하다. 오른쪽에는 르누아르가 그의 작품에 배경을 제공하기 위해 그의 모델 뒤에 놓곤 했던 인쇄된 직물을 볼 수 있다.

르노와르의 <눈이 온 풍경>이다.  1875년.  르누아르는 여러 개의 눈경관을 제작했지만,  다른 인상주의 화가들과는 달리 그가 반복적으로 돌아간 주제는 아니었다. 1874-1875년 겨울에 폭설이 내렸고, 르누아르가 이 작은 그림을 제작한 것은 아마도 1875년 초였을 것이다.  이 구성의 배경에는 눈으로 뒤덮인 들판을 가로질러 높은 울타리로 둘러싸인 채 창백한 겨울 햇빛에 드러난 집들을 볼 수 있다.  눈은 전체 풍경을 덮지는 않지만, 르누아르는 인상주의 회화 기법을 실험하고 특히 빛과 색의 그림자를 관찰하는 데 초점을 맞출 기회를 갖는다. 사실 이 그림은 예술가가 눈이 흔히 생각하는 것과는 달리 흰색이 아니라는 것을 증명하지만, 눈을 둘러싸고 있는 물체의 모든 색깔을 반영한다.