오랑주리 앙리 마티스

유럽에서는 대가들의 그림을 모사하고 연습하면서 자신들의 화풍을 찾는 것이 일반화 되어 있어 어디서나 따라 그리는 모습을 볼 수 있다. 거의 비슷해 보이지만 빛을 표현하는 것은 역시 큰 차이가 있어 보인다. 마티스의 그림은 어린 아이의 그림처럼 보인다고 생각했는데 비교해 보니 정말 다르네.

 

앙리 마티스의 <세자매들>이다.  이 초상화는 마티스의 거장 작품 중 하나이다. 세 명의 어린 갈색머리들이 성벽 배경 앞에 앉아 있다. 마지막 한 명이 독서에 열중하는 동안 젊은 두 여자가 우리를 내다본다. 화가는 세 자매의 다른 태도, 불일치한 색상, 여러 수준의 관점의 병치 인상 등 겉으로는 양립할 수 없는 다양한 요소들 사이에 완벽한 균형을 성공적으로 만들어낸다. 여러 출처가 이 그림을 고무시키는 데 도움이 되었다 : 마네의 그림 , 일본 판화 및 루브르 박물관에서 보존되고 당시 자크 루이 다비드에 기인한 그림[The Three Gand Ladies]는 마티스에게 영감을 줄 수 있었다.당시 마티스의 이 주제에 대한 관심은 여러 번 표현되어 다른 버전을 만들어 냈다. 이와 같이 우리는 필라델피아 반즈 재단에서 보존된 세 자매를 각각 다른 옷과 포즈로 묘사한 세 편의 그림을 알고 있다. 그곳은 실제로 미술상 폴 기욤은 반스 박사의 소장품 구성에 많은 기여를 했으며, 세 자매를 대표하는 마티스의 그림이 미국에 도착하기 전에 그의 화랑을 통해 왔을 가능성이 매우 높다. 

앙리 마티스의 <푸른혹은 하얀 옷을 입은 오달리스크>다. 1921년. "마티스가 죽었을 때, 그는 나에게 그의 오달리스크를 유산으로 남겼다."고 화가가 죽은 후 피카소는 롤랜드 펜로즈에게 털어놓았다. 이것은 그가 1920년대 니스에서 그린 이 일련의 작품들에 부여한 중요성을 보여준다. 마티스는 앵그르와 델라크루아가 경이롭게 묘사한 19세기의 위대한 우상화 전통을 받아들였다. 이 주제는 알제리, 모로코 또는 세비야에서 보낸 시간 동안 그의 "행복한 향수"를 일깨웠다. 오달리스크 테마는 마티스가 "누드에 색칠을 하라"는 구실이었다. 화가가 찾고 있던 것은 그림의 평평함을 확인하는 장식에 모델의 몸과 그림자가 통합된 것이다. 오달리스크는 그가 크게 존경했던 이슬람 장식 예술을 특히 1910년 뮌헨에서 열린 전시회를 시작으로 그의 그림에 통합할 수 있게 해주었다. 마티스는 자신의 모델을 준비하기 위해 아파트의 한 모퉁이를 마련했다. 플랫폼, 매달린 직물을 위한 고정장치, 스크린. 동양을 떠올리게 하는 데는 시르왈, 팔찌 등 몇 가지 징후만 필요한 경우가 가장 많다. 이 그림에서 장식은 [오달리스크 인 레드 컬로테스]에서 볼 수 있는 니스 시대 그림에서 진정한 인물인 무어 스크린으로 축소된다. 모델은 제한된 공간 내에 둘러싸여 있다. 오달리스크 시리즈에서 자주 사용되었던 팔을 올린 자세는 가슴의 곡선을 강조한다. 이 구성은 푸른 색조와 수채화를 떠올리게 하는 유동적인 방식으로 그려진다.

앙리 마티스의 <회색 바지를 입은 오달리스크>다. 1921년.  회색 바지가 있는 오달리스크에서는 기하학과 강한 색상이 가장 중요한 역할을 한다. 냉정한 색으로 칠해진 오달리스크는 살, 녹색, 회색이 장식과 섞인 것 같다. 1927년 살롱 다우토메네에 대한 설명에서 미술평론가 자크 게네는 "파란색, 빨강, 보라색, 노란색의 줄무늬가 모두 있는 마티스의 작은 그림과 회색 모티브가 걸려 있는 거대한 붉은 벽이 값싼 벽지의 가장 끔찍한 전시가 아니라면, 나는 무엇이 무엇인지 모르겠다. 아니면 오히려 예술가가 섬세한 색깔에 압도당하는 것이 아닐까." 마티스가 접을 수 있는 틀에 늘어뜨린 천의 큰 모티브와 빨간색이 지배하는 팔레트는 모든 공간의 느낌을 전멸시킨다. 액세서리만 깊이를 느낄 수 있다. 루이 15세 테이블과 브라세로는 종종 드랭의 그림에 나타난다. 그러나 그들의 공간을 침범하는 것처럼 보이는 소파와 관련하여 그들을 앉히기는 어렵다.

앙리 마티스의 <꽃병과 함께 있는 젊은 여인>이다.  1921년.  마티스가 미디의 빛을 재발견한 것은 1919년부터 정기적으로 머물렀던 니스에서였다. 그러나 프랑스 남부에 머무는 동안 그는 눈부신 색으로 풍경을 그리도록 영감을 주었지만, 니스에서 그는 미묘한 그늘로 실내에 집중했다. 방 중앙에 있는 여성 누드는 포즈를 취한 것으로 보이지 않고 대신 바닥을 따라 빗질하는 수건을 들고 방을 가로 지르고 있다. 그녀는 머리 위에 터번을 두르고 있고, 얼굴 생김새는 보이지 않는다. 마찬가지로 그녀의 젖가슴과 같은 해부학적 세부 사항은 분명히 단순화되어 있으며, 두 구에 의해서만 제안된다. 누드는 벽지로 장식된 침실에 서 있으며, 테이블 위의 꽃병을 메아리치는 식물 모티브가 있으며 캔버스 왼쪽의 타원형 백조 목 거울에 반사되어 있다. 이 그림은 노란색, 흰색, 분홍색 등 창백한 색상의 한 영역과 바닥과 침대의 빨간색, 쿠션의 녹색으로 나뉜다. 우리는 프랑스식 창문을 통해 여성인물 뒤에 있는 풍경을 볼 수 없지만, 몇 개의 야자수 잎은 그 장면의 남쪽 위치를 나타낸다. 

앙리 마티스의 <누운 누드>다. 1923-1924년.  [드라페와 함께 돌아 오는 것]은 오달리스크 시리즈에서 붉은 커튼으로 축소된 장식의 위대한 단순화, 소파와 두 개의 쿠션을 덮는 중성 백 시트로 인해 발생한다. 그의 현재를 위해, 그의 표식은 서라운드보다 여성의 몸을 더 잘 표현했다. 윤곽은 검은 색으로 엄격하게 정렬되어 있다. 흰색은 추가 볼륨을 위한 것이다. 누드는 마티스가 좋아했던 포즈로 묘사된다: 다리가 안으로 당겨지고, 팔이 머리 위로 들어올려진다. 팔을 들어 올린 자세는 가슴의 부피를 이끌어낸다. 마티스는 같은 장식이지만 여성의 몸의 곡선을 훨씬 더 많이 이끌어내는 다른 포즈로 [Reclining Nude]라는 제목의 이 누드의 또 다른 버전을 그렸다. 

앙리 마티스의 <내실>이다. 1921년. 1918년에서 1921년 사이에 자주 머물렀던 니스의에 있는 마티스의 방의 여러 요소가 여기에 보여진다. 그들은 같은 해에 그려진 [The Divan]보다 가벼운 캔버스로 함께 모이지만 그럼에도 불구하고 내부에서 외부로의 전환이라는 동일한 주제를 설명한다. 왼쪽에는 두 명의 여성 인물이 보인다. 젊은 여성 중 한 명은 1894년에 태어난 화가의 딸인 마르게리트로 여겨지며, 1921년 니스에서 그와 함께 머물렀다. 이 그림은 그림의 날짜에 대한 단서를 제공한다. 그들은 관람자를 바라보는 것이 아니라 오히려 커다란 흰색 커튼으로 둘러싸인 커다란 창문으로 분리된 방의 다른 쪽을 응시하고 있는 것처럼 보인다. 오른쪽에는 백조 머리로 장식된 거울이 화장대 위에 서 있다. 구성의 선은 창문을 통해 바깥을 향한 시청자의 시선을 끌어 당깁니다 : 하늘과 야자수. 창백한 색은 1910년대의 입체파와 1920년대 화가가 채택한 새로운 스타일 사이의 전환을 나타낸다. 매우 창백한 팔레트와 기술은 수채화와 비슷하다. 분홍색 타일, 오른쪽 화장대에 꽃다발, 치마의 노란 톤, 안락의자와 벽은 창백한 흰색, 회색, 블루스에 섬세한 온기를 가져다 준다. 

앙리 마티스의 <만돌린을 든 여인>이다. 1921년.  “아! 멋진 곳이야! 밝기는 했지만 얼마나 부드럽고 부드러운 빛이야!”,앙리 마티스는 화가 찰스 카모인에게 썼다. 만돌린을 가진 여자는 이 시기에 니스에서 마티스가 한 작품의 전형이며, 그가 언급하는 온화한 빛의 전형이다. 우리는 이 그림의 배경을 정확히 파악할 수 있다. 이 아파트는 니스에 있는 찰스 펠릭스에 있는 예술가가 입주한 아파트로, 바다 수평선이 내려다보이는 스튜디오가 두 개 있었다. 열린 창문은 그림이 해변, 바다 및 하늘에 보인다. 그림의 중심에는 젊은 여성이 창문으로 등을 돌리고 서서 왼손에 작은 만돌린을 들고 있다. 창문의 유리창에서 보이는 그녀의 반사는 그녀에게 이중적인 존재감을 준다. 그녀의 블라우스의 모티브도 벽지의 장식적인 무늬를 반영한다. 이 창은 마티스의 작품에서 반복되는 주제로, 그의 그림의 공간을 열거나 그림 안에 그림을 소개할 수 있게 해준다. 이와 유사하게, 악기는 마티스의 다른 많은 그림들, 특히 음악이 화가의 일상 생활에서 중요한 역할을 했던 니스에서의 그림들에서 발견된다. 

앙리 마티스의 <바이올린과 여자>이다. 이 장면은 1921-1923년 경마티스가 그린 니스의 실내 장면의 전형이다. 당시 많은 그림의 배경을 이루는 무어 화면의 독특한 모티브를 우리는 실제로 인식할 수 있다. 무릎에 바이올린을 들고 오른손에 활을 든 젊은 여성이 스크린의 푸른 원 패턴에 맞서 돋보인다. 바이올린 케이스는 팔꿈치가 놓인 테이블 위에 열려 있다. 이 그림의 매우 유사한 버전이 약간 더 작은 규모로 있으며 볼티모어 미술관에서 오늘날 미국에서 볼 수 있는 것과 같은 제목을 가지고 있다. 오렌지리 구성은 그림을 똑같이 구조화하는 곡선과 직선 사이의 대결에 대한 연극을 이끌어낸다. 스크린의 테두리와 문의 수직선은 테이블 다리와 의자의 수직선과 연결되어 있으며 테이블 다리에 의해 드리워진 그림자는 활과 정확히 평행이다. 이 직선들은 그에 대답하는 동일한 양의 곡선 선에 의해 균형을 이룬다: 스크린의 원, 몸의 곡선, 젊은 여성의 얼굴과 머리카락도 악기의 곡선과 그 케이스를 메아리친다. 그림의 주제는 마티스의 작품 초기에 등장했는데, 예술가는 음악가 자신이다. 니스에서의 기간은 특히 그에게 매일의 바이올린 연습과 동의어였다. 미술상 폴 기욤은 이 음악 테마에 관한 여러 그림을 소유했는데, 특히 오늘 뉴욕 현대 미술관에 보존된 마티스의 [음악 수업]이 그 중 하나이다. 

 

앙리 마티스의 <소파와 함께 있는 여인>이다.  프랑스 남부의 미디 지역의 빛에 사로잡힌 앙리 마티스는 1916년부터 니스의 Htel de la Méditerranée에 자주 머물렀다. 그곳에서 그는 이미 애정을 가지고 있는 주제를 개발했다. 약간 억압적인 내부가 문이나 창문을 통해 해방된 외부 세계로 개방되는 것이다. 여기서 화가는 호텔 방을 칠함으로써 두 가지 관점을 병치한다. 첫 번째 뷰는 바닥을 향하며, 타일링은 표면의 표시를 제공하지만 깊이는 표시하지 않는다. 두 번째는 창문을 통해 거리를 내다보는 경치다. 따라서 화가는 두 가지 모순된 방향과 감정을 조화시킬 수 있다. 마키스는 시청자의 시선을 유도하는데 큰 주의를 기울였다. 오른쪽에 있는 커다란 빨간색 커튼으로 누그러진 삼각형 구성은 창문 너머 하늘의 한 지점으로 이어진다. 왼쪽에는 화장대 위의 타원형 거울이 의자 뒤쪽을 메아리친다. 시청자의 시선을 산만하게 하지 않기 위해 반사가 없다. 마찬가지로 오른쪽에는 두 명의 여성 인물이 다소 스케치되어 있다. 디반은 최상의 각도를 얻기 위해 다시 칠해졌다. 다양한 강도, 따뜻함, 냉정함의 빨간색과 녹색 색상은 이러한 모순된 감정을 반영한다.