파블로 피카소와 앙리 마티스

파블로 피카소의 <프로파일의 여성>이다. 1901년. 이 그림은 파리의 댄스홀과 사창가를 연상시키는 사치스럽게 차려입은 여성들의 작은 그림 그룹에 속한다. 전기 팔레트와 넓은 페인트 조각은 1901년 봄 피카소가 파리의 갈레리 볼라드에서 곧 공연할 것을 예상하고 마드리드에서 그린 다른 작품들과 관련이 있다. 피카소는 1901년 5월 파리에 도착하여 많은 수의 그림, 파스텔 및 그림을 가지고 있지만 그의 쇼에는 충분하지 않았다. 파리에  스튜디오를 설치한 그는 63개의 카탈로그화된 항목과 궁극적으로 전시된 수십 개의 카탈로그되지 않은 그림을 얻기 위해 하루에 3 장의 그림을 만들었다.  

피카소의 <롤리팝을 든 남자>다. 1938년. 피카소는 같은 제목(MMA 1999.363.68)의 그림에서 젊음을 이 그림에서 볼 수 있는 날씨에 찌든 노인으로 바꾸었다.,그 화가가 성적, 마카브레에 대한 성향과 프로이트의 빈틈없는 독자로서, 그는 아마도 어린 시절의 쾌락으로 돌아가거나 에로틱한 쾌락을 대신하는 사람들을 조롱하고 있었을 것이다. 

파블로 피카소의 <남자의 상체>다. 1908년.  큐비즘에 대한 초기 실험에서 피카소는 비서양적인 그림 요소를 그의 작품에 통합했다.,그는 특히 파리의 민족학 박물관인 트로카데로의 무세 데트노그래피 뒤 트로카데로를 자주 방문하는 이베리아와 아프리카 조각품을 바라보았다. 여기서 예술가는 아프리카 나무 마스크의 진한 오렌지색, 녹, 갈색 팔레트 특성을 사용했다. 긴 코와 커다란 마름모꼴의 눈과 입을 가진, 단순화되고 잊혀지지 않는 형상의 얼굴은 라이베리아 북동부와 C'테 디부아르에 있는 단족의 가면을 떠올린다. 

파블라 피카소의 <팔걸이의자에 앉은 도라 마르> 1939년.  피카소는 프랑스 남부 대서양 연안의 작은 마을인 로얀에서 1년 동안 소저를 하던 중 당시 그의 애인이었던 초현실주의 사진작가 도라 마르의 초상화를 그렸는데, 이 초상화에서 그들은 제2차 세계대전의 발발을 목격했다. 그녀의 얼굴과 몸은 급격히 왜곡되어 왔다. 기울어지고 흔들리는 듯한 불규칙한 무늬가 있는 화려한 배경은 Htel du Tigre에서 그들의 방을 장식한 벽지를 나타낼지도 모른다.

파블로 피카소의 <테이블 위에서 잠든 여인>이다.

파블로 피카소의 <드리머: 꿈꾸는 사람>이다. 1932년.  이 감각적인 그림의 주제인 마리 테레즈 월터는 1927년 그녀가 열일곱 살이었고 그가 마흔다섯 살이었을 때 그 예술가를 만났다. 그녀는 곧 그의 연인이자 뮤즈가 되었다. 여성 형태가 피카소의 새로운 주제는 아니었지만, 마리 - 테레 세를 묘사하는 데 사용된 흐르는 곡선 스타일과 밝고 포화한 톤은 그의 초기 여성 묘사에서 출발한다. 피카소는 관능적인 형태를 일차적인 모양으로 단순화함으로써 자신의 몸매를 고대의 불임 대상과 닮은 것으로 제시한다. 

파블로 피카소의 <게르트루트 스타인>이다. 1905년.  유명한 작가이자 국외 추방자인 게르트루드 스타인은 유럽 전위 예술에 열광적으로 반응한 최초의 미국인 중 한 명이었다. 그녀는 유럽과 미국의 예술가와 작가들이 거주하는 파리 아파트에서 매주 살롱을 열었다. 피카소에게 스타인의 초기 후원과 우정은 그의 성공에 매우 중요했다. 그는 소위 "로즈 시대"가 끝날 무렵 1905년에서 1906년 사이에 그녀의 초상화를 그렸다. 그는 그녀의 몸을 단순한 대중으로 축소시키고, 그의 입체파 채택의 예시로서, 그녀의 얼굴을 무거운 눈꺼풀이 달린 마스크처럼 묘사하며, 최근 이베리아 조각과의 만남을 반영한다. 

피카소의 <기타와 클라리넷이 있는 정물>이다. 1915년,  피카소는 1915년 12월 동료 에바 구엘이 죽기 직전 게르트루드 스타인에게 "내 삶은 지옥이다. 피카소가 에바의 건강, 전쟁, 군대에서의 그의 친구들, 그리고 프랑스에서 스페인 시민으로서의 지위에 집착한 것은 그 해 그의 작품이 적은것을 설명한다. 파리에 남아 있는 피카소의 몇 안 되는 친구들은 그가 표현적인 초상화에 몰두하는 것에 매료되었지만 그들은 모두 몽파르나세 묘지가 내려다보이는 루 슐처에 있는 그의 스튜디오에 큰 큐비스트 작품의 존재를 주목했다. 아마도 피카소가 계속 수정한 것은 그의 스튜디오에 캔버스가 남아 있었던 것은 전쟁 때문이었을 것이다. 이 작품은 갈색과 회색의 드랍 팔레트에서 시원하고 생생한 색조로, 그리고 마지막으로 에바의 쇠퇴에 대한 피카소의 절망과 관련된 어두운 색으로 이어지는 무수한 시간으로 다시 칠해졌다. 피카소는 맨텔에 많은 정물화를 그릴 것이지만, 이것이 그의 첫 번째일지도 모른다. 그는 무생물의 의인적인 측면을 강조하여 맨텔의 볼을 다리로 읽도록 장려하고 악기를 남성과 여성 해부학과 연관시키도록 장려한다. 피카소는 이것을 분명히 중요한 작품으로 간주했다. 그는 진행중인 사진을 찍었을 뿐만 아니라 나중에 폰테인블로에 있는 자신의 시골집에 그림을 걸어 1930년까지 보관했다

파블로 피카소의 <암체어에 앉아 있는 여인>이다. 1909-1910년.  프랑스 포스트 인상파 화가 폴 세잔의 초상화에서 영감을 얻은 피카소는 종종 독방에 앉은 여성의 주제로 돌아왔다. 이 그림은 1909-10년 가을과 겨울에 만들어진 작은 작품 그룹의 일부이며, 부피 형태와 빈 공간의 구별을 평준화하여 그 환경과 그 인물을 융합하려는 피카소의 욕망을 드러낸다. 작가의 작품에 대한 수많은 변화는 그림의 머리 크기 감소를 포함하여 쉽게 드러난다. 

파블로 피카소의 <여인의 두상>이다. 1909년.  이것은 피카소의 첫 번째 큐비스트 조각이며 1909년 그의 애인인 페르난데 올리비에로 만든 60점 이상의 큐비스트 그림, 조각품 및 그림 중 하나다. 피카소는 이 커플이 스페인으로 여름 여행을 마치고 돌아온 후 파리에서 이 흉상을 모델로 삼았다. 그의 초기 큐비스트 그림에서와 마찬가지로, 그녀의 조각된 머리 모양은 더 작은 단위로 면화되어 있다. 라운드에서 볼 수 있도록 의도된 구성은 다른 각도에서 볼 때 형태를 변경한다. 머리가 살짝 기울어지고 목이 쭉 뻗은 곡선은 마치 어깨 너머로 바라보려는 듯 움직이는 느낌을 준다.

파블로 피카소의 <라핀 아길레에서>이다.  1905년.  지난 세기의 전환기에 보헤미안 파리에서 삶의 아이콘이된이 유명한 작품에서 피카소는 할레퀸 복장을 한 자신을 묘사한다. 그는 최근 연인인 저메인 피초와 동행한다. 이전에 그녀는 1901년 자살한 피카소의 위대한 친구 카사게마스의 치명적인 집착이었다. 이 그림은 그의 몽마르트르 카바레인 르 라핀 아길레를 위해 뒤에서 기타를 연주하는 프레데 제라드의 의뢰를 받았는데, 1905년부터 1912년까지 독일 수집가에게 팔렸던 파리에서 피카소의 영구적인 시야에 관한 유일한 작품이었다. 

파블로 피카소의 <조셉 폰데빌라>이다. 1906년.  요제프 폰데빌라는 피카소와 페르난데 올리비에가 고솔에 머물렀던 겸손한 숙소인 칼 탬파나다의 비노년 여관 주인이었다. 피카소는 즉시 그를 좋아했는데, 아마도 페르난데와의 관계가 결혼과 비슷한 것으로 깊어지면서 할아버지처럼 보이고 승인하는 모습을 보았을 것이다. 페르난데는 폰데빌라를 "이상하고 야생적인 아름다움을 지닌 사나운 늙은 밀수업자"라고 묘사했다. 그는 90세가 넘었지만 머리카락을 유지했으며, 치아가 잇몸까지 닳아 있었지만 매우 흰색이며 그 중 하나가 없어지거나 손상된 적이 없다. 그는 다른 모든 사람들과 어렵고 화려하지만 항상 파블로와 잘 어울린다. 파블로의 초상화는 매우 실물과 같다. ",페르난데에 따르면 피카소는 폰데빌라의 밀수 이야기를 들으며 "어린 시절에 말려들었다"고 한다. 

파블로 피카소의 <헤어스타일>이다. 1906년.  오늘날 미술사학자들은 1886년 인상파 전시회에서 파리에서 보여지고 1910년경까지 그의 작품에서 반복된 에드거 드가의 유명한 누드 목욕가 시리즈와 그녀의 화장실에서 한 여성을 연관시키지만, 피카소가 많은 예를 볼 수 있었을 것 같지는 않다. 드가는 신고전주의 화가 장 아우구스트-도미니크 잉그레스로부터 영감을 얻었으며, 19세기 말 피에르 푸비스 드 차반네스와 아우구스트 르누아르가 이 주제를 개발하는데 같은 출처를 사용했다. 그러나 이상하게도 피카소는 이 그림에서 보통 주제에 참석하는 모든 에로티시즘을 억제하기로 결정했다. 대신 그는 이 그림을 성가의 반항적인 변형으로 바꾸며, 레오나르도의 성모 마리아와 루브르 박물관의 성 앤의 메아리가 울려 퍼진다. 피카소는 이 구성을 많이 사용된 캔버스에 그렸다. 현재 표면 아래에는 적어도 세 개의 그림이 있다 .

파블로 피카소의 <흰 옷을 입은 여인>이다. 1923년.  피카소는 캡 드 안티베에서 여름 체류를 마치고 파리로 돌아오자마자 그의 가장 잘 알려진 신고전주의 그림 중 하나인 이 작품을 그렸다. 그곳에서 그와 그의 아내 올가는 카리스마 넘치는 미국인 국외 추방자 제럴드와 새라 머피와 교제했다. 사라 머피는 아름답게 규칙적인 특징을 가지고 있었기 때문에, 일부 작가들은 이 캔버스가 그녀의 초상화라고 믿는다. 그러나 피카소가 관련 고전적 머리 앞에서 포즈를 취하고 있는 올가를 찍은 사진들은 적어도 그녀가 그것이 자신을 묘사한 것이라고 생각했다는 것을 보여준다.

파블로 피카소의 <테이블에서 읽기>다. 1934년.  그의 애인 마리 - 테레세 월터가 책을 읽는 이 그림에서 피카소는 혼자 앉아있는 여성이라는 좋아하는 주제로 돌아간다. 어두운 방과 램프에서 빛나는 빛은 그녀에게 이질적인 존재감을 주는 반면, 그녀의 알라바스터 피부, 금발 머리, 꽃 왕관은 그녀의 젊음을 향상시킨다. 당시 피카소의 작품에서 두드러지게 등장했지만, 그들의 관계는 피카소의 많은 유쾌한 동맹에 대한 가장 덜 공개되었는데, 이는 이 그림이 부드러운 친밀감으로 스며든다는 사실이다.

파블로 피카소의 <앉아 있는 할리퀸>이다. 1901년.  파리에 도착한 후 올해 다양한 스타일을 실험한 후, 피카소는 1901년 가을에 자신의 스타일을 적절하게 개발했다. 그는 같은 크기의 캔버스 여섯 개를 그렸는데, 한 사람의 모습이나 한 쌍이 카페 테이블에 앉아 있었는데, 이 캔버스는 이 스무 살의 예술가가 아직 성취한 가장 위대한 업적 중 하나이다. 이 그림은 1880년대와 1890년대에 반 고흐, 고갱, 로트렉이 다시 작업한 드가와 마네의 1870년대 카페 장면에서 유래되었다. 이를 위해 피카소는 반 고흐의 라 베르세우스를 배경으로 꽃무늬 벽지를 빌렸는데, 이 벽지는 갈레리 볼라드에서 보았을 것이다. 피카소는 마지막 배열에 정착하기 전에 그림을 크게 수정했다. 그는 목이나 수갑에 러프가 없는 할레퀸을 처음 묘사했다. 큰 유리가 성냥 공격수가 지금 나타나는 테이블 위에 서 있었다. 할레퀸의 비콘 모자는 원래 그의 오른손 뒤에 놓여 있었다. 꽃무늬 벽지는 더 광범위하고 높은 연회장에 의해 숨겨지지 않았다. 1901년까지 할레퀸은 대중문화에서 유비쿼터스적인 인물이었다. 그는 보통 지휘봉, 즉 슬랩스틱을 들고 다녔고, 검은 마스크를 썼다. 그러나 피카소는 할레퀸에게 하얀 얼굴과 러프를 주었다: 필연적으로 그의 사랑 콜럼바인을 민첩하고 정욕적인 할레퀸에게 잃는 우울하고 뻐꾸기 같은 광대인 피에로의 속성. 많은 작가들은 이 그림의 수심에 찬 분위기와 그것이 속한 시리즈가 피카소가 그의 친구 칼레스 카사게마스의 자살에 대해 곰곰이 생각해 본 결과라고 제안했는데, 피에로와 마찬가지로 사랑에도 짝사랑이 없었다. 

앙리 마티스의 <젊은 선원 2>이다. 1906년.  1905년부터 마티스는 콜리우어에서 여름, 때로는 겨울까지 보냈고 1914년까지 간헐적으로 그렇게 했다. 18세의 지역 어부인 제르맹 아우구스틴 바르텔레미 몬타르게스의 시터가 눈길을 끈 것은 콜리우레에서였다. 이 두 번째 버전의 그림(첫 번째, 1906년 날짜는 개인 소장품)에서 윤곽이 날카롭게 하고, 형태가 더 정의되며, 색상은 대부분 밝은 녹색, 파란색, 분홍색의 크고 평평한 영역으로 축소되었는데, 이 시점부터 마티스가 채택한 장식 스타일과 팔레트였다. 마티스는 또한 선원의 기분과 표정을 크게 바꾸었다. 그것을 마스크 같은 교활함의 표현으로 대체하는 것인데, 그 표현에서 약간의 방탕함이 없는 것 같다. 제르맹의 다소 연극적인 외모와 분홍색 사탕색 땅을 배경으로 한 화려한 의상이 합쳐져 이 작품을 파우브 방식으로 마티스의 가장 장식적인 초상화 중 하나로 만들었다. 

앙리 마티스의 <회색 바지를 입고 있는 오달리스크>다.

앙리 마티스의 <그림 춤과 함께 있는 아투아티움>이다. 1912년.  마티스가 그의 스튜디오를 묘사한 것은 종종 다른 예술작품을 엿보는 것을 포함한다. 여기서 그는 그의 큰 캔버스의 왼쪽 절반인 춤 1(1909년, 뉴욕 현대미술관)를 묘사하고 있다. 전경에 세심하게 배열된 가구가 회화공간을 평탄화한다. 삼각대 조각 스탠드의 뒷다리는 그 뒤에 있는 그림의 풀밭에 놓여 있는 것처럼 보인다. 마찬가지로 왼쪽 모서리에 있는 의자는 등 윗부분이 캔버스를 가로지르는 수평 보라색 줄무늬를 연장하도록 놓여 있다. 이 그림의 더 간단한 버전(모스크바 푸쉬킨 박물관)에서 이 줄무늬는 춤 1과 스튜디오 바닥 사이에 보이는 벽의 면적을 나타낸다

마티스의 <the three o`clock sitting> 이다. 1924년.   1917년 12월부터 마티스는 프랑스 남부에서 겨울을 보냈다. 이 그림은 그의 소위 니스 시대 작품 중 다른 작품에서 다시 나타나는 몇 가지 요소를 특징으로 한다: 대담하게 무늬가 있는 벽지, 정교하게 뚫리고 응용된 북아프리카 원산지, 예술가의 추가 작품(이 경우, 비스듬히 기대어 있는 여성 인물의 석고가 거울에 비친 아르모아르 위에 보인다), 그리고 스튜디오 창문 밖에 야자수와 지중해를 매혹적으로 볼 수 있다. 이젤 앞에 앉아 있는 여자는 당시 마티스가 가장 좋아하는 모델인 헨리에트 다리카레르였다. 뛰어난 음악가이자 발레리나인 그녀는 무대 공포로 고통 받아 1924년까지 시각 예술 분야에서 경력을 쌓기 위해 라이브 공연을 포기하기로 결정했다.

앙리 마티스의 <모자를 쓰고 있는 마거리트>다. 1918년.  그녀가 아장아장이었을 때부터 1923년 비잔틴 학자 조르주 두투이트와 결혼할 때까지 마르그리트 마티스는 아버지의 가장 빈번한 모델이었다. 그가 죽은 후, 마거리트는 마티스의 기록 보관소 조직과 그의 작품 카탈로그 작성에 전념했다. 

앙리 마티스의 <앉아 있는 오달리스크>다. 1926년.  1920년대 중반 마티스의 스튜디오를 찍은 사진들은 북아프리카 직물들이 가구 위에 걸치고, 벽에 매달려 있고, 그의 오달리스크 코스트 모델의 배경 역할을 하는 임시 극장 세트로 조작된 것을 보여준다. 마티스는 오달리스크 그림에 대해 인터뷰를 했을 때 이 직물들이 "여성 누드와 동등한 역할을 한다"고 강조했다." 

마티스의 <눈꽃>이다. 1951년. 그의 장수의 마지막 10년 동안, 미티스는 약 270개의 종이 컷아웃을 생산했다. 독립 작품을 구성하지만, 많은 사람들은 전례 조끼와 스테인드 글라스 창을 위한 책 삽화 또는 디자인과 같이 규모와 목적이 다른 프로젝트의 마켓 역할을 했다. 1930년대에 마티스는 이미 종이 모델을 사용하여 그림을 구성하는 데 도움을 주었습니다. 1941년 두 차례의 심각한 수술로 건강이 나빠진 후, 그 예술가는 종이 컷아웃을 가지고 점점 더 많은 일을 했다. 그는 침대에 앉아 있거나 안락의자에 앉아 있을 수 있는 일. 가위로 마티스는 조수들이 처음 구아체로 색칠한 종이 시트의 모양을 잘랐다. 이것들은 제자리에 고정되어, 일단 완성되면, 흰색이나 다색의 땅에 달라붙을 것이다.