수르바란, 렘브란트, 고야 등

니콜라 푸생의 <목신 앞에서의 바쿠스 제전>이다.  1630-1634년.  1624년 푸생은 로랭처럼 고향인 프랑스를 떠나 로마에 자리잡고 고대 조각과 라파엘로, 카라치, 티치아노 등을 연구했는데 이 그림에서 이런 요소들이 나타난다. 이 야한 파티에서 남녀는 턱수염이 난 뿔 달린 남자의 조각된 흉상인 용어를 중심으로 춤을 춘다. 이것은 전통적으로 숲과 들판의 신, 양떼와 무리의 신인 판으로 확인되지만, 동상은 꽃 화환을 입고 성기를 드러내는 정원과 다산의 신 프리아푸스일 수도 있다. 포도와 춤은 이것이 성공적인 수확을 장려하기 위해 고대 로마 시대에 개최된 것과 같은 바치 축제임을 암시한다. 예술과 문학에서, 이러한 행사에 참석한 파티 참석자들은 버려진 그릇과 노출된 피부에 의해 제안된 과도한 음주와 성적 욕망을 충족시킨다. 신 박쿠스의 님프나 장난치는 여성 추종자들은 뿔과 털이 많고 염소 같은 다리를 가진 정욕적인 사티르를 동반한다. 이상화된 몸, 경직된 커튼, 댄서들의 세심한 배열은 푸생의 고대 조각에 대한 연구를 반영한다. 대담한 색상의 직물은 댄서들의 피부톤과 삼림지대 잎과 대조된다.

프란시스코 데 수르바란의 <성녀 마르게리타>이다.  1630-1634년.  안디옥의 4세기 성 마르게리타는 기독교로 개종했을 때 이교도 신부인 아버지에 의해 쫓겨났다. 그녀는 양을 돌보는일을 했다. 그녀는 부유한 양치기 복장을 하고, 그림 같은 의상 위에 양가죽 재킷을 입고, 유행에 따라 머리에 밀짚모자를 썼다. 밀짚으로 만든 모자의 씨실들을 꼬아 모아서 곡선을 만들어낸 차양과 옷소매와 옷깃에 접힌 주름 부분은 화가의 치밀한 관찰력과 자연에 대한 분석적인 시각을 알 수 있게 한다. 수르바란은 그녀가 한 팔에 농민 직공들이 만든 색색의 안장백을 들고 기도서를 들고 다른 한 손으로는 짙은 색의 지팡이를 들고 있는데 이 지팡이는 어두운 배경 아래 서 있는 전설의 용과도 잘 구분이 되지 않는다. 성자는 발치에 있는 으르렁거리는 용, 즉 변장을 한 사탄을 의식하지 못하는 것 같다. 그녀는 냉정하고 단호한 표정으로 우리를 똑바로 응시한다. 중세 성인 전기의 편집본인 골든 레전드에 따르면, 그 짐승은 그녀를 집어삼켰다. 그녀는 다치지 않고 배에서 터져 나왔고 나중에 출산의 수호 성인 역할을 맡았다. 강한 조명은 그녀의 흠잡을 데 없는 피부와 풍부한 색깔과 옷감뿐만 아니라 용의 비늘, 날카로운 눈, 뾰족한 송곳니를 강조한다. 

수르바란의 <명상에 잠긴 성 프란체스코>다. 1639년.  성 프란시스는 손에 두개골을 들고 풍경 속에서 명상을 하는 모습이 보인다. 두건을 뒤로 젖히고 빛이 얼굴 한쪽을 잡아 당겨 강한 코와 두드러진 광대뼈를 표시하고 다른 쪽은 깊은 그림자 속에 남아 있다. 그는 13세기에 세운 종교 질서인 프란치스코인들의 닳고 패치된 가운을 입고 있다. 모든 회원들은 가난을 맹세했다. 두개골은 죽음을 상징하며 십자가에 못 박힌 그리스도의 고통, 즉 성자의 명상의 초점을 가리킨다. 하지만 이것은 조용한 사색의 장면이 아니다. 프랜시스의 위쪽 시선, 약간 열린 입과 위쪽 손바닥은 그가 신과 이야기하고 있음을 암시한다. 그의 손은 그리스도의 십자가에 못 박힌 상처인 오상으로 표시되어 있다. 풍경 배경에서는 성자가 완전히 고립되어 있지 않다는 것을 암시한다.

수르바란의 <장미 꽃과 잔의 물>이다. 1630년.  이 작고 친밀한 그림에서 일상의 물체는 기념비적으로 나타나 신비로운 강도를 띠게 된다. 테이블 상판이나 선반에는 섬세하게 구부러진 손잡이가 달린 세라믹 컵이 은판의 중앙에 자리잡고 있다. 접시 가장자리에 가시 없는 장미가 활짝 피어 있었다. 이 물체들이 종교적 중요성을 가지고 있다는 것은 17세기에 스페인 시청자들을 독실하게 하는 것이 즉각적으로 명백했을 것이다. 물컵과 장미는 성모 마리아의 순결의 상징으로 여겨졌다; 꽃이 가시가 없다는 사실은 불멸의 개념(메리가 죄 없이 잉태되었다는 믿음)을 지칭할 수도 있다. 주르바란의 그림은 명상과 조용한 사색을 장려한다; 그가 종교 그림에서 채택한 것과 다르지 않은 접근법. 주변 공간의 극명한 단순함은 주의를 산만하게 하지 않으며, 우리는 물에 반사되어 광택이 나는 표면을 반사하는 빛의 아름다움을 감상하도록 초대받았다. 화가는 특별히 정물화에 능한 사람이다.

수르바란의 <바구니 속의 레몬, 백합, 카네이션, 장미, 그리고 위커 바스켓의 레몬 블로섬, 그리고 은색 트레이 위에 있는 도자기 물 그릇에 앉은 골드핀치와 함께, >1643-1649년.  고리버들 바구니에는 신선한 레몬이 쌓여 있는데, 잎이 여전히 붙어 있는 나무에서 막 따온 것 같다. 레몬 꽃, 붉은 카네이션, 푸른 델피니움, 흰 장미, 백합, 튤립 등 꽃의 얼룩이 구성 전체에 흩어져 있다. 금핀치는 물이 가득 찬 섬세한 도자기 그릇 가장자리에 자리잡고, 표면에는 백합 한 송이가 떠 있다. 이것들은 거의 확실히 상징적인 의도였다: 물과 백합은 성모 마리아의 순결을 가리키고, 금핀치는 종종 그리스도의 열정(그의 고문과 십자가형)과 희생과 관련이 있다. 이것은 유명한 화가 프란치스코 드 수르바란의 아들인 후안 드 수르바란 12점 정도의  그림 중 하나다. 후안은 은색 타자의 반사 표면인 거친 레몬 껍질, 왁스 잎 등 각 물체의 질감을 전달하는 것을 즐긴다. 이 정물화에서 그는 직설적인 디자인과 눈에 띄게 미묘한 페인트 처리를 성공적으로 결합했다

렘브란트의 < 냇가에서 목욕하는 여인>이다. 1654년.  렘브란트의 명성이 절정일 때 그려진 걸작이다. 그림은 격식을 차리지 않으면서 저항할 수 없는 활발함을 보여준다.  1539년부터 그의 동료가된 헨드릭 스토펠스로 보이며 당시로서는 파격적인 소재로 인해 종교계의 비판에도 불구하고 물 속에서의 유쾌하고 불안정한 모습을 거리낌없이 표현했다. 여인은 거침없이 하의를 끌어 올린채 꾸밈없고 일상적인 모습을 드러낸다. 아마도 화가는 수산나나 밧세바처럼 여인을 표현하고자 한 듯한데 이는 제방 위에 벅어둔 진홍색과 황금색의 망토로 알 수 있다. 그러나 소재는 그리 중요하지 않다. 흐릿한 윤곽선으로 이루어진 형상들과 최고조에 달한 화가의 붓놀림, 배경 중앙의 조화로운 배치는 시각적으로 가양한 효과를 불러온다.

렘브란트의 <34세의 초상화>다.  1640년.  이것은 렘브란트의 수십 개의 자기 초상화 중 하나이다. 우리는 그 예술가가 자신만만한 포즈를 취하고 있는 것을 본다 – 자만심이 강하고, 비싸 보이는 털과 벨벳을 입고, 그의 모자에는 보석이 달려 있다.,그러나 1640년대에 살고 있는 네덜란드인이지만 렘브란트는 1520년대 신사의 옷을 입고 있으며 그의 포즈는 비슷한 날짜의 뒤러, 티티안, 라파엘의 그림을 바탕으로 하고 있다. 그래서 렘브란트는 그림의 주제로서 자신을 르네상스 신사로 묘사하고 있으며, 예술가로서 그는 그 당시 가장 유명한 예술가들과 자신을 경의를 표하고 직접 비교하고 있다. 이 이중 메시지의 의미는 렘브란트의 정교한 고객들에 의해 확실히 이해되었을 것이다. 신사의 포즈와 옷을 취함으로써 그는 당시 예술가들에게 주어진 것보다 훨씬 높은 사회적 지위를 주장하고 있다. 그리고 르네상스 시대의 가장 위대한 화가 세 사람의 작품을 인용함으로써, 그는 그가 그들의 동등하다는 것을 암시하고 있다. 

렘브란트의 <63세의 초상화>다. 1669년.   이것은 렘브란트가 1669년 사망하기 직전에 만든 세 개의 자기 초상화 중 하나이다. 약 80개의 자화상은 40년 경력에서 살아남아 그 당시의 다른 어떤 예술가보다 훨씬 더 많다. 그는 다른 표현을 연습하고 조명 효과를 실험하며 부유한 후원자와 수집가에게 판매하기 위해 다양한 이유로 그림을 그렸다. 이 작품에서 렘브란트는 자신의 노화하는 얼굴의 질감과 색깔을 묘사하는 데 몰두하고 있다. 그의 오른쪽 눈 아래 처진 접힘은 심하게 장전된 붓의 소용돌이로 만들어진다. 그의 이마에 난 흠집은 응고된 페인트 얼룩으로 이루어져 있다. 많은 후기 작가들과 예술가들은 이것을 강렬하고, 경솔하고, 실존적인 정직함으로 해석했다: 렘브란트는 죽음의 접근방식을 받아들이게 된다. 그러나 17세기에는 자기 분석과 정신이 지금과는 다른 생각을 가지고 있었다. 렘브란트의 동기는 더 간단했을 수도 있다. 영혼 탐색에 의해 움직이는 것이 아니라 전문적인 매력에 의해 움직이는 것이다. 명예와 부를 잃고 영락하는 늙은 화가의 모습을 적나라하게 보여주고 있는 렘브란트의 63세의 초상화이다.

렘브란트의 <헨드릭 스코펠스의 초상>이다. 1654년.  렘브란트가 이름을 밝히지 않은 시터는 거의 섭정적인 침착함을 가지고 있다.그녀는 의자 팔의 일부일 것이 분명하지만 회의적인 분위기를 풍기는 것에 오른손을 얹고 약간 높이에서 우리를 내려다보고 있다.그녀는 비싼 진주 귀걸이와 보석류를 착용하고 모피 를 입고 있다. 이 모든 것들이 왕족의 것임을 암시할 수도 있지만, 이것은 또한 친밀한, 심지어 에로틱하게 충전된 초상화이기도 하다. 그녀의 드레스는 풀린 것 같거고 맨틀은 약간 열려있어 당시의 공식 초상화에서 받아 들일 수 있는 것보다 훨씬 더 많은 가슴을 드러낸다. 그래서 아마도 1650년대 중반에 그려진 이 초상화는 렘브란트의 가정부인 헨드릭제 스토펠스일 가능성이 높다. 그들은 연인이 되었고 1654년에 딸 코넬리아가 있었다.국립 미술관 소장품인 개울에서 목욕하는 여자도 헨드릭제일 것이다.  

렘브란트의 <아카디안  코스튬을 입은  사스키아 반 우일렌버그>다.  1635년.  프리즈랜드의 리우와덴의 부르고마스터의 딸인 사스키아 반 우일렌부르크는 렘브란트의 첫 번째 아내였다. 여기서, 그녀는 23살이다; 그들은 결혼한 지 1년이 되었다. 그녀는 봄과 다산의 로마 여신 플로라 복장을 하고 있다. 그녀의 멋진 가운은 르네상스 드레스의 17세기 버전이며 튤립, 장미, 프리뮬라 및 작은 분홍색을 포함하는 거대한 봄 꽃 다발을 가지고 있다. 더 많은 꽃들이 그녀의 목과 이마를 장식한다. 진주가 귀에 걸려 머리 왕관을 엿본다. 다른 손에 든 막대기를 감싼 초록색 잎사귀들이 바람에 휘감겼다. 7년 동안 사스키아는 네 명의 자녀를 두었다. 그들의 아들 티투스만이 살아남았다. 그가 태어난 지 1년 후, 사스키아는 죽었기 때문에 '봄의 여신'은 그녀의 인생의 여름을 결코 넘지 못했다.  

렘브란트의 <벨사살의 연회>다. 1636-1638년.   그의 위대한 극적인 그림에서 렘브란트는 구약성서(다니엘 5: 1-5, 25-8)의 이야기를 들려준다. 금색 망토와 거대한 터번과 작은 왕관을 쓴 남자는 바빌론의 왕 벨샤자르다. 바빌론의 왕이었던 그는 아버지가 예루살렘에서 약탈해온 식기들을 사용해 연회를 베풀었다.  파티 중간에 천둥소리가 경고로 다가왔다. 신의 손이 구름에서 나타나 벽에 신비한 글을 적었는데 왕의 죽음과 왕국의 분할을 예언하는 내용이었다. 왕은 학자들을 불러 모았으나 해독할 수 없었고 다니엘만이 신의 메시지를 해독했다. 렘브란트는 친구인 메나세벤 이스라엘을 통해 얻어낸 이 히브리어 문구를 1636년 동판을 부식시키는 방법으로 새기세 되었다. 강력한 권력자의 표현은 왕의 과장된 행동으로 나타났고 신비로운 빛은 왕이 쓴 흰색 터번과 모피의 가장자리, 수놓은 비단으로 만든 망토의 주름을 더 부각시킨다.  

필립 드 상파뉴의 <리슐리외의 삼면초상>이다.  1642년. 이 그림은 화가의 많은 초상화 중에서도 날카로운 내면 분석과 화려함으로 유명하다. 이 삼면 초상화는 1622년 추기경이 되었고 1624년 프랑스 최고장관이 된 아르망장 뒤 플레시스, 듀크 드 리슐리외의 전신 동상의 모델로 의도되었다. 그는 파리와 루엘에 있는 자신의 성을 장식하기 위해 수많은 작품을 의뢰했고 초상화도 여러점 의뢰했는데 그 중 하나다.  추기경의 진홍빛 가운에 성 스피리토 기사 훈장을 걸치고 있으며 바다빛을 띄는 푸른색과 풀먹인 순백의 린넨 옷감, 망토의 진홍빛이 대조적이다.  머리는 이 그림에서 세 가지 다른 자세로 반복되는데 흉상을 제작하기 위한 모델로 조각가는 베르니니나 프란체스코 모키였을 것이다.

프란시스코 고야의 <도나 이사벨 데 포르첼>이다. 거장의 손길이 느껴지는 이 작품은 1805년 마드리드의 산 페르난도 왕립학회에 기증했다. 절친한 친구인 돈 안토니오의 아내인데 마자로 된 의상을 입고 기품 있고 당당한 아름다움을 드러내고 있다. 도나 이사벨은 당당하고 아름답다, 움직이는 순간을 포착한 듯 붉은 상의 위에 걸친 견사 레이스 베일은 시선을 장방형으로 분산시키며 검은 레이스 베일은 환한 빛이 서서히 번지는 투명한 안색과 조화를 이룬다. 고야는 가볍고 민첩한 붓눌림으로 다채로운 검은색이 조화된 투명한 레이스를 묘사했는데 덕분에 이 레이스는 그림의 주인공이 되었다. 이런 검은 색조는 후에 마네를 매혹시킨다. 이 우아한 모습은 '영원한 여성성'이라 불릴만하다. .

 고야의 <강제로 마법에 걸린 자> 다. 1798.   고야는 1698년에 처음 공연된 풍자극을 바탕으로 한 장면을 보여준다. 강제적으로 변한 것. 신부 돈 카밀로는 도냐 레오노라와 결혼하는 것을 두려워하고 있다. 그는 노예 루시아가 자신을 홀렸다고 믿게 되었고, 그녀의 방에 있는 램프가 켜져 있는 한 그의 삶은 지속될 것이라고 믿게 되었다. 우리는 카밀로가 거의 실물 크기의 램의 형태로 램프에 있는 기름을 열심히 보충하는 것을 본다. 오른쪽 아래의 비문에는 두 단어의 첫 번째 부분인 람파라 데스코무날('괴물 램프')이 들어 있는데, 이 단어들은 두렵고 미신적인 카밀로가 크게 외친다. 춤추는 당나귀들의 기괴한 그림이 뒤쪽의 벽을 장식하여 신비와 마법의 일반적인 분위기를 더한다. 그러나 연극은 희극이며, 영웅의 과장된 포즈와 응시하는 눈은 그의 속아넘어가는 모습을 비웃기 위한 것이다.

존 컨스터블의 <웨이마우스 베이>다. 1816년. 강 어구 풍경을 사실적으로 묘사한 이 그람은 화가가 도셋에서 신혼여행을 보내던 1816년에 제작한 것으로 보인다.어떤 암시 등이 없이 사실 그대로를 그렸다. 철학적, 문학적 이상화 없이 자연 그대로를 화폭에 담은 것이다. 주걱으로 바르는 기법을 이용해 표현한 빛은 실제적이고 자연스럽다. 하늘은 배경이 아니라 그림의 주인공인데 땅과 바다, 구름도 마찬가지다. 화가는 전통에 안주하지 않고 독특한 화풍을 선보였다.