오르세 여러화가들 2

에바 곤잘레스의 <극장, 이탈리안의 특석>이다. 19세기.  화가는 마네의 제자로  작품에 마네의 영향력이 존재한다는 사실은 분명하지만, 그럼에도 불구하고 작품 속 다양한 세부 묘사에 있어서 그녀의 독립성과 원숙함을 엿볼 수 있다. 즉, 검은색을 풍부하게 사용했다는 점을 제외하면, 곤잘레스는 다양한 색채를 경쾌한 붓 터치로 다루고 있는데, 이러한 터치를 통해 젊은 여인의 드러난 가슴과 어깨, 그리고 팔을 덮고 있는 얇은 천에 생명력을 불어 넣어 주고 있다.

메리 커셋의 <정원의 어린 소녀>다. 1880년. 커셋은 미국 부호의 딸로 파리에 정착해 작품활동을 했다. 화가로서의 여성은 곱지 않은 시선을 감내해야 했지만 진취적인 그녀는 많은 여성들에게 '일하는 여성상'을 제시하기도 했다. 친척의 초상화나 여성과 아이들은 일상 생활의 친밀감으로 그렸다. 여성 바느질로도 알려진 정원에서 어린 소녀는독창성으로 이것을 증언한다. 풍부한 색상의 배경은 넓은 대각선 밴드로 구성되어 기념비적인 젊은 여성의 표현을 강조한다. 스커트의 빠르고 스케치된 브러시 스트로크는 얼굴과 가슴의 날카롭고 단단한 윤곽과 대조를 이루며, 이는 작가가 드로잉의 정밀도를 포기하지 않는다는 것을 보여준다.

오노레 도미에의 <크리스팽과 스카팽(스카팽과 실베스트르)>다. 1864년.  이 작품 속에는 두 명의 인물이 등장하는데, 희곡의 주인공인 스카팽과 크리스팽으로 변장한 실베스트르다. 스카팽은 간계가 뛰어난 하인으로 특유의 발랄한 성격으로 주인을 골탕먹이기도 하고, 때때로 주인의 아들을 돕는 등의 코믹한 감초 역할을 하는 인물이다. 작품에서 두 인물은 무언가 계략을 꾸미고 있는 듯한 분위기를 연출하고 있는데, 이러한 분위기는 인물들의 표정에서 뿐만 아니라 몸짓에서도 충분히 나타나고 있다. 도미에는 인물 표현에 있어서  특성과 내용을 한눈에 알아볼 수 있도록 표현하는 데 주력했다.

장자크 헤노의 <순결한 수산나>다. 1864년.  성서에서 가져온 수산나의 목욕탕 테마는 르네상스 이후 여러 번 다루어왔으며, 무엇보다도 작가가 아름다운 누드를 만들 수있는 기회였다. 이것은 헤너에 의해 확인된다

존 화이트 알렉산더의 <회색 옷을 입은 여인의 초상>이다. 1893년.

레옹 프레데릭의 <노동자의 시대>다. 1895-97년.  브뤼셀의 상징화가 인 레옹 프레데릭은 플랑드르 바로크 전통에 그의 작품을 새겼다. 그는 삼각의 형태로 고대의 레이아웃에 의존하는 것을 주저하지 않고, 그의 태도뿐만 아니라 그의 제스처에 풍부하고 강력하게 표현 군중으로 자신의 그림을 채운다. 그래서 수십 개의 캐릭터가 등장하는 노동자의 시대라는 이름으로 세 가닥이 있다. 왼쪽 패널은 남자와 힘의 표현을 선호하고 오른쪽 패널은 여성의 모성 의무 . 중간은 어린 시절부터 청소년에 이르기까지, 학교를 떠나는 사람들, 작업장 또는 건설 현장을 퍼레이드한다.  19세기 후반의 사회적 요구에 부합하는 이 마지막 찬사를 현대 제작자들의 지지를 받아 청문회 주변에 붉은 깃발이 새겨져 있다.

장 밥티스트 에두아르 데타이유의 <꿈>이다. 1888년.

페르난드 코몬의 <카인>이다. 1880년.  이 그림은 아담과 이브의 장남인 카인의 운명을 보여주며, 그의 남동생 아벨이 살해된 후 영원히 도망치도록 비난받고 있다.   고통스럽게 자신의 부족을 리드. 그녀의 아들은 겁에 질린 여자와 졸린 아이들을 서있는 나무 들것을 들고 다닌다. 그들은 피 묻은 고기 조각을 나른다. 다른 남자들은 사냥꾼들과 동행한다.  얼굴은 여호와의 문장에 대한 두려움이 없다. 코몬은 마치 진리의 빛이 불모의 평원을 가로질러 범인을 쫓는 것처럼 그림자를 놓았다. 그것은 쿠르벳처럼 강하고 벽돌 터치와 지구 색톤을 사용한다. 작가는 해부학적 정확성에 관심이 있다: 그는 자신의 스튜디오의 각 인물에 대한 살아있는 모델을 가지고 있다. 성경의 역사, 웅장한 서사시의 그림, 작품은 또한 인류학적재건이다.

니콜랏 게이의 <골고다>다. 1892년.  니콜라이 게이는 러시아 예술가로 정통 신자이자 실무자가 아니었지만, 기독교의 도덕성과 영성에 깊은 감명을 받았다. 그는 레오 톨스토이의 영향으로 그리스도의 열정에 대한 주기에 일생의 마지막년을 바쳤다. 1892년 경에 그려진 십자가에 못 박히면 결론이 있다. 작가는 로마 백부장이 등장, 미완성 또는 부분적으로 다시 그린의 그림에 의해 입증 된 바와 같이,이 작품을 여러 번 재작업했다, 배경에. 그것은 공식적인 수단으로 도덕적 고통과  얼굴의 표현성을 강조하고 이상적인 몸의 학문적 비전을 거부, 비 인간, 열정에 의해 변경되지 않은. 드라마틱한 조명은 작품이 관객에게 생성되는 감정과 화가가 폭력을 원했던 감정에 기여한다. 차르 알렉산더는 충격적이고 거의 신성 모독적인 것으로 여겨지는 이 작품이 처음으로 발표된 제22회 암부전시회에서 제거할 것을 요구했다.

토마스 쿠튀르의 <타락한 로마인들>이다. 1847년.  고티에는 그림 속에서 파티를 열고 있는 사람들이 대부분 보여주는 무기력함과, 후손들의 유약한 모습을 내려다 보면서 엄격하게 꾸짖는 듯한 태도를 보여주는 로마 선조의 조각을 대조한다. “말이 없으면서도 관객에게 메시지를 전달하고 있는 이 그림의 대화 방식은 이른바 ‘시적 발명’으로, 미묘한 전달을 가능하게 해주는 회화의 표현 방법 중 하나이다”라고 고티에는 덧붙였다.

미술관의 모형이다. 

장 레옴 제로메의 <베르사유 콘데 리셉션>이다. 1674년. 루이 XIV베르사유의 대사들이 그랜드 계단에서 최근 오렌지의 윌리엄과의 세네프 전투 우승자인 그랜드 콘데를 맞이할 준비를 하고 있다. 이 제스처로 그는 거의 15년 동안 망명을 끝냈고, 왕실의 권력에 맞서 프론드를 이끌었다는 이유로 "그의 사촌"을 처벌하기 위한 것이었다. 겸손한 캔버스에 제라드는 역사적 재건에 대한 열정을 응축한다. 장면을 그럴듯하게 만들기 위해 베르사유 궁전의 조각이나 묘사 된 캐릭터의 초상화등 다양한 상징적 출처를 사용한다. 제로메는 세련된 팔레트를 선보이며, 앙상블의 선명도와 대리석의 추위는 의상과 깃발의 색상으로 부활한다

폴 루이 부샤르의 <무희들>이다. 1893년. 

샤를 드 트룬느민의 <아달리아의 카페, 아달리아 부근 터키사람들의 거처>다. 19세기.

샤를 드 트룬느민의 <아프리카의 코끼리>다. 19세기.

구스타브 카일레보테의 <마루플래너>다. 1875년. 작가는 그림의 모든 부분을 하나씩 그린 후 캔버스의 타일로 옮기었다. 플래너의 벌거 벗은 몸통은 고대 영웅의 것이다. 그러나 이러한 학문적 운동에 자신을 잠그는 것과는 거리가 먼 카일레보테는 새로운 방식으로 현대 우주를 탐구하기 위해 엄격함을 이용한다.

에밀 버나드의 <우산을 쓴 브레톤스>다. 1892년. 작가는 의도적으로 자신의 구성에 있는 리얼리즘을 배제한다. 장면은 스테인드 글라스 창에서 마치 색채의 평탄을 구분하는 인터레이스 라인이 있는 것처럼 잘린 것처럼 보인다. 버나드는 둥근 우산과 바닥의 언덕, 나무의 수직과 오른쪽에있는 여성의 실루엣 사이에 공식적인 서신을 만든다. 앙상블, 캐릭터, 장식은 작가가 일화적인 현실에서 벗어날 수 있도록 밀폐주의를 유지한다. 피사체의 신비한 차원을 강화하기 위해 버나드는 깊이가 없는 풍경과 극장 무대 가까이에 인공 조명 아래 브레튼을 채운다.

베르트 모리조의 <두소녀>이다.

토니 로뵈르 플뢰리의 <코린트의 마지막 날(기원전 146년.)>이다. 19세기.

다음 몇 점은 아르누보적인 그림들이다.

 

루이즈 아베마의  <장식 패널: 봄의 우의화>다. 19세기.

루이즈 아베마의 <장식 패널: 겨울의 우의화>다. 19세기.

파블로 피카소의 작품이다.