여행이야기

피사로의 이다. 1891-92년. 이 젊은 노동자들은 크기와 배치, 조용한 존엄성 덕분에 풍경을 지배하고 있다. 피사로의 집 근처에 있는 열린 들판이다. 무정부주의 이상에 공감한 예술가는 프랑스의 급속한 산업화로 위협 받고 있는 농업 사회의 가치를 보존하기를 원했다. 그는 1891년 여름에 이 그림을 시작하여 1892년 1월 중순에 완성했다. 그의 딜러인 조셉 듀란드 - 루엘이 조직한 작품의 주요 전시회가 열리기한 달 전이다. 50점의 그림 중 많은 것이 쇼에서 팔렸지만피사로는 이 캔버스를 보관하고 그의 아내에게 주었다. 피사로의 이다. 1874년. 이 그림은 오베르의 발헤르밀의 햄릿과 피사로가 수년 동안 살았던 파리 북서쪽 마을 폰토이즈를 연결하는 도로 중 하나를 보여준다. 1873년에서 1882년 사..

잭슨 폴록의 이다. 1947년. 와이오밍에서 태어나 애리조나와 캘리포니아에서 자란 잭슨 폴록은 예술 학교에 다녔고 1940년대와 1950년대 예술계를 지배했던 뉴욕에서 일하면서 미국의 대표적인 추상 표현주의자로 널리 인정받게 되었다. 추상 표현주의의 혁신과 자유를 예시하게 된 드립 그림으로 가장 잘 알려진 폴록은 영재적이고 다작의 드로츠맨이기도 했다. 사실, 그림 그리기는 그의 경력 내내 중요한 역할을 했다. 그는 종종 1930년대의 현실적인 연구에서부터 1940년대의 개인적인 상징주의, 그리고 궁극적으로 1950년대의 개별적인 특징적인 선형 표현주의에 이르기까지 예술적 아이디어와 실험을 통해 작업하기 위해 스케치를 사용했다. 폴록의 유명한 전쟁은 그가 제목을 붙인 유일한 그림이며, 비록 "1947"이라..

들라크루아의 다. 1853년. 화가는 신앙에 있어서 적어도 여섯 가지 버전의 신약성서 수업을 그렸다. 즉, 그의 겁에 질린 제자들에 의해 깨어났을 때, 그리스도는 신약성서에 대한 신뢰가 부족하다고 그들을 꾸짖었다. 이전의 작품에서 바다 풍경은 더 두드러진다. 여기와 같이 나중에는 그리스도의 존재가 더 중요한 장소를 차지한다. 빈센트 반 고흐는 1886년 파리에서 이 버전을 본 후, "크리스도의 보트는 보라색과 빨간색의 터치와 후광을 위한 약간의 레몬 노란색으로 파란색과 녹색 스케치를 말하는 것인데, 오레올은 색상 자체를 통해 상징적인 언어를 말한다." 유진 들라크르와의 다. 1820년대에 젊은이들을 열광시킨 작가 중 월터 스콧은 셰익스피어, 단테와 어깨를 나란히 하는 스타 작가였다. 역사 소설의 아버지라..

마르크 샤갈의 이다. 1930년. 현재 벨로루시의 비테브스크 마을을 본 샤갈은 1923년 소련의 세계 전쟁 이후의 삶의 경건함을 피하고 10월 혁명을 피하기 위해 파리로 이주했다. 파리의 쾌적한 편안함에서 사는 샤갈은 창조적으로 자라며,이 기간의 경직된 라디에이트와 기쁨으로부터 그의 작품이다. 마르크 샤갈의 이다. 1911년. 마르크 샤갈의 이다. 1913-14년. 러시아 마을의 동화 같은 세부 사항은 파리에서 그려진 비테브스크에 있는 차갈의 상상 속의 방 창문을 통해 볼 수 있다. 연인들은 그의 약혼자인 벨라 로젠펠드와 함께 그 예술가를 대표한다. 주로 독학한 샤갈은 정서와 환상을 혼합한 독특한 스타일을 개발했는데, 이는 시인 기 아폴리나레가 "초자연적인"이라고 부르는 효과였다." 마르크 샤갈의 다. ..

아드리안 쿠르테의 이다. 1703년. 이것은 아드리아누스 쿠르테의 전문지식이었던 작지만 정교하게 실행된 정물화의 전형적인 예다. 그는 어두운 배경과 극적인 조명을 사용하여 잘 익은 거위베리의 반투명성과 매실의 곰팡이 광택과 같은 다른 모양과 표면의 대조를 강조했다. 높은 정밀도는 현실적인 장면의 인상을 준다. 당신은 그것이 삶에서 그려졌다고 가정할 수 있다. 하지만 이런 경우는 아닐 것이다. 여기에 묘사된 음식은 동시에 구할 수 없었을 것이기 때문이다. 아스파라거스 창은 5월에 잘린다; 딸기는 보통 6월부터 익는다; 거위베리는 7월 초에, 자두는 8월에 딴다. 그러나 이러한 방식으로 계절적 가용성을 경시한 구성은 네덜란드 정물화와 꽃화에서 흔히 볼 수 있었다. 자연에서 직접 그림을 그리기보다는 스튜디오 ..

다시 국립 미술관으로 갔다. 어제 못봤던 작품을 다시 봐야지. 장 오노레 프라고나르의 이다. 얼핏 보고 처음에는 르노와르의 작품인가 했는데 자세히 보니 많이 다르다. 로코코 화가로 유명했던 프리고나르는 혁명 후 명성을 잃고 곤궁한 삶에 빠졌고 프랑스에서는 신고전주의가 유행했다. 이 그림도 그런 형식을 따르고 있는데 정말 단정하고 아름답다. 천정을 판테온처럼 만들어 놓았네. 고야의 이다. 1801 년. 카를로스 3세의 파란색과 흰색 리본이 안토니오 노리에가 베르메데스의 재킷에 두드러지게 나타난다. 그의 기사 작위, 다른 사무실 목록, 1801년 날짜는 식탁보와 시터의 손에 있는 종이에 스페인어로 새겨져 있다. 돈 안토니오는 1801년 7월 23일에 기사 작위를 받았고, 고야의 초상화는 그 사건을 기념하고 ..

수많은 작품들을 마음에 담고 이번에는 서관으로 향한다. 건물의 분위기가 고전적이고 앞에는 작은 유리 피라밋도 있다. 살바도르 달리의 이다. 이 그림에서는 중심 인물인 예수를 정중앙에, 12사도를 좌우에 배치했다. 그리고 정체 불명의 오각형 프레임을 예수 뒤로 배치하여 이른바 황금 비율의 아름답고 안정적인 구도를 만들었다. 이와 같은 안정적 형식성은 고전 회화의 전통을 계승한 것에 가깝다. 하지만 세부로 들어가면 달리의 독창적인 손길이 느껴진다. 백색 가운을 걸친 채 고개 숙인 12사도의 모습은 밀교나 사교의 분위기를 자아낸다. 그들에게 둘러싸여 반투명하게 묘사된 예수의 인체는 신비주의 교단을 이끄는 교주처럼 보인다. 드가의 14세의 무용수 조각은 많이도 만들었나보다. 루브르, 내셔널 갤러리에 이어 여기도..

사진을 찍고 앞에 있는 국립 미술관을 보러 갔다. 1941년 완공된 이 미술관은 서관과 동관, 조각 공원으로 구성되어 있는데 건물 자체의 아름다움만으로도 유명하다. 먼저 동관을 보러 갔다. 입구에서 부터 헨리 무어의 조각이 반갑다. 토론토에서 봤다고 친숙하게 느껴진다. 마티스, 피카소, 모딜리아니의 작품들이 보인다. 모딜리아니의 이다. 모딜리아니의 이다. 1917년. 게르하르트 리히터의 이다. 1992년 세잔의 다. 1892-1896년. 모리스 드 블라민크의 이다. 1905년. 헹켈의 다. 1907년. 빌헬름 렘브룩의 다. 1917년. 바실리 칸딘스키의 작품 이다. 그의 색감이 두드러진다. 1913년. 프란티섹 쿠프카의 다. 1912-13년. 앙리 루소의 작품이다. 1909년. 르네..

폴 세잔의 다. 1880년대 후반. 캔버스의 많은 부분에도 불구하고, 이것은 세잔이 서명한 몇 안 되는 그림 중 하나이며, 따라서 "완료"로 간주된다." 그것은 젊었을 때부터 예술가가 사랑했던 지역인 아이스와 르톨로네 마을 사이의 도로에 있는 언덕에 위치한 생조셉의 예수회 영지를 보여준다. 이 사진은 세잔이 미국 박물관에 처음 들어간 그린이다. 메트로폴리탄은 1913년 역사적인 무기고 쇼에서 전시회에서 가장 높은 가격으로 그것을 인수했다. 폴 세잔의 이다. 1885-86년. 세잔은 20세기 모더니즘의 부상에 대한 중요한 공헌으로 당연히 기억된다. 그의 그림은 형식, 원근법 및 구조의 새로운 시각적 언어를 도입하여 그림의 형식적 배열에서 오래된 관습에 도전했다. "자스 드 부판 근처의 나무와 집"은 자연에..

조지 루올트의 다. 1938년도. 1930년대 후반까지 루울은 판사를 대표하는 데 관심이 없어 보였으며, 1910년과 1919년 사이에 그의 작품에 널리 퍼졌다. 이 후기 그림에서 판사들의 호전성 표현은 평온한 자비로 바뀌었다.,두 명의 도살자가 나란히 있는 그리스도에 대한 그의 많은 클로즈업 뷰에서처럼, 루울트는 마치 집단 초상화처럼 이 세 명의 판사들의 볼을 볼에 대고 배열했다. 그들의 눈은 감겨 있다. 루울은 1930년대 초에 사용하기 시작한 기술인 많은 색소를 발랐다. 두꺼운 검은 윤곽으로, 그 그림은 스테인드글라스 창문의 효과를 가지고 있다. 조지 루올트의 이다. 1937년. 깊은 영적, 루울은 예술적 영감을 얻기 위해 기독교 신앙을 연구했다. 프랑스 시인이자 비평가인 안드레 수..